Egon Schiele (1890-1918). Galería (2)

Egon Schiele -1918-

Egon Schiele -1918-

Egon Schiele nace en 1890 en la pequeña ciudad deTulln, en la Baja Austria, en el seno de una familia burguesa ligada al funcionariado.

Ya en su etapa escolar, Schiele dibuja con profusión. En el instituto de Klosterneuburg, el pintor Max Kahrer es uno de sus primeros promotores y le enseña diversas técnicas artísticas.

Debido a su mal rendimiento escolar, su madre decide sacarlo de la escuela antes de tiempo. Su talento para el dibujo le lleva a seguir una carrera artística.

-House Wall on the River-

-House Wall on the River-

En octubre de 1906, casi dos años después de lamuerte de su padre, supera el examen de ingreso en la Academia de Bellas Artes de Viena. Su profesor es el pintor de historia Christian Griepenkerl.

En 1909, participa en la Internationale Kunstschau(Muestra Internacional de Arte), donde se rinde homenaje a Gustav Klimt y en la que Oskar Kokoschka hace su debut. La obra de Schiele aún está bajo el influjo de Klimt y del Jugendstil vienés.

House with Shingle Roof (Old_House_II)

-House with Shingle Roof (Old_House_II)-

Como protesta contra su profesor, funda con algunos de sus compañeros de clase y otros que compartían ideas afines el Neukunstgruppe (Grupo de Arte Nuevo). En 1909, abandona la Academia. Con ocasión de la primera exposición del Neukunstgruppe, Schiele conoce al influyente crítico de arte Arthur Roessler.

En 1910, se produce el cambio de rumbo artístico hacia el Expresionismo: con su nuevo cromatismo expresionista, Schiele se rebela tanto contra el naturalismo como contra el dominante Jugendstil vienés; en su obra emergen con enorme brío nuevos temas, como el desnudo erótico, las mujeres encintas y, sobre todo, el autorretrato.

-Reclining Woman-

-Reclining Woman-

En 1911, conoce a Walburga (“Wally”) Neuzil, que será su modelo favorita y su compañera hasta que el artista se case en 1915 con Edith Harms.

Su carrera artística se ve interrumpida cuando, en abril de 1912, se dicta su prisión preventiva: se le inculpa de pederastia y secuestro de menores. Las acusaciones acaban por mostrarse infundadas, pero Schiele ha de permanecer 24 días en prisión: el artista plasma esta experiencia traumática en la famosa serie de la cárcel.

-Dead Mother-

-Dead Mother-

En junio de 1915, un año después de estallar laPrimera Guerra Mundial, es destinado a Praga tras un segundo reclutamiento. Ese mismo mes se casa con Edith Harms, hija de una familia acomodada.

Desde finales de 1915, su arte expresionista cede ante un mayor acercamiento a lo natural, lo que se refleja especialmente en sus desnudos femeninos y retratos, cada vez más realistas.

-Black Haired Girl with Lifted Skirt-

-Black Haired Girl with Lifted Skirt-

Tras la inesperada muerte de Gustav Klimt a principios de 1918, Egon Schiele es considerado como su legítimo heredero en la escena artística de Viena.

En marzo de 1918, logra el éxito económico a raíz de la exposición 49ª de la Secesión vienesa: el artista obtiene lucrativos encargos de retratos y también aumenta la demanda de sus desnudos eróticos.

-Crouching Woman with Green Headscarf-

-Crouching Woman with Green Headscarf-

Algunos días antes de finalizar la guerra, el 28 de octubre de 1918, la esposa de Schiele, Edith, que estaba embarazada, muere por una devastadora epidemia de “gripe española”. Tres días después, fallece Egon Schiele de la misma enfermedad. Esta referencia biográfica ha sido tomada por la realizada con motivo de la exposición realizada en el Museo Guggenheim de Bilbao (2 de octubre, 2012 — 6 de enero, 2013). Puede verse una primera entrada de Egon Scieler en este blog aquí.

-nackter knabe auf gemusteter decke liegend-

-nackter knabe auf gemusteter decke liegend-

-Two Women Embracing-

-Two Women Embracing-

-The Hermits-

-The Hermits-

-Standing Woman in a Patterned Blouse-

-Standing Woman in a Patterned Blouse-

-Seated Woman with Legs Drawn Up (Adele_Herms)-

-Seated Woman with Legs Drawn Up (Adele Herms)-

-Seated Couple,1915-

-Seated Couple, 1915-

-Portrait of Wally Neuzil-

-Portrait of Wally Neuzil-

-Portrait of the Artist's Sister in Law, Adele Harms, 1917-

-Portrait of the Artist’s Sister in Law, Adele Harms, 1917-

-Nude with Blue Stockings, Bending Forward-

-Nude with Blue Stockings, Bending Forward-

-Mourning Woman-

-Mourning Woman-

-Moa-

-Moa-

-Lovers-

-Lovers-

-Lovemaking-

-Lovemaking-

-Kneeling Girl, Resting on Both Elbows-

-Kneeling Girl, Resting on Both Elbows-

-Kneeling Female in Orange Red Dress-

-Kneeling Female in Orange Red Dress-

-Cardinal and Nun (Caress)-

-Cardinal and Nun (Caress)-

-Composition with Three Male Nudes-

-Composition with Three Male Nudes-

-Crouching Nude Girl-

-Crouching Nude Girl-

-Devotion-

-Devotion-

Edith with Striped Dress,Sitting-

Edith with Striped Dress,Sitting-

-Crescent of Houses II (Island Town)-

-Crescent of Houses II (Island Town)-

-Crescent of Houses (The Small City V) (Krumau Hauserbogen (die Kleine Stadt V))-

-Crescent of Houses (The Small City V) (Krumau Hauserbogen (die Kleine Stadt V))-

-Old Houses in Krumau, 1914-

-Old Houses in Krumau, 1914-

-Female Lovers, 1915-

-Female Lovers, 1915-

-Autorretrato-

-Autorretrato-

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Paul Klee (1879-1940)

Paul Klee, 1911.

Paul Klee, 1911.

Cuando Kandinsky impartía clases en la Bauhaus, también lo hacía un artista suizo llamado Paul Klee. Y aunque Klee no era teosofista, si compartía, al igual que Kandinsky, un mismo ideal pictórico.

Gato y pájaro. 1928. MOMA.

Gato y pájaro. 1928. MOMA.

Una visión de este ideal la presenta Klee en su libro El ojo que piensa, escrito durante los años de profesor en la Bauhaus; acaso el manual más detallado sobre la <<ciencia>> del diseño que jamás se haya escrito, según Robert Hugues, concebido en términos de una teoría universal de las <<equivalencias>> visuales de los estados espirituales, cuya complicada elaboración rivalizaba con la de Kandinsky.

Klee, Insula dulcamara, 1938, 88 x 176 cm; Centro Paul Klee, Berna.

Klee, Insula dulcamara, 1938, 88 x 176 cm; Centro Paul Klee, Berna.

Al igual que Kandinsky, Klee valoraba lo <<primitivo>>, y especialmente el arte de los niños. Envidiaba esa libertad polimorfa que tienen los niños para crear signos.

En su afán de pintar <<como si fuera un recién nacido, sin saber absolutamente nada de Europa>>, Klee era un europeo total. Su obra indagaba en las innumerables grietas dela cultura, recogiendo pequeños trofeos y emblemas de la botánica, la astronomía, la física y la psicología. La música tuvo en él una influencia especial. Creía que el contrapunto del siglo XVIII (su forma predilecta) podría traducirse directamente en gradaciones de color y valor, repeticiones y cambios de motivo.

Schlamm Assel-Fisch, 1940.Fundación Beyeler.

Schlamm Assel-Fisch, 1940.Fundación Beyeler.

Las suposiciones de Klee eran desenfadadamente trascendentalistas. <<Antes solíamos representar las cosas visibles de la tierra>>, escribió en 1920, <<cosas que nos gustaba mirar lo que nos hubiera gustado ver. Hoy revelamos la realidad que yace detrás de las cosas visibles, expresando así la creencia de que el mundo visible no es más que un caso aislado en relación con el universo y que hay muchas otras realidades latentes…>>

Fish Magic. Oil and watercolor varnished. 76.8 x 98.1 cm, 1925

Fish Magic. Oil and watercolor varnished. 76.8 x 98.1 cm, 1925

La obra de Klee es la búsqueda de los símbolos y las metáforas capaces de hacer visible esa creencia.

Ohne Titel, 1940. Fundación Beyeler.

Ohne Titel, 1940. Fundación Beyeler.

La obra de Klee no ofrece los sentimientos intensos de Picasso, ni la maestría formal de Matisse. El trazo exacto y delgado, arrastrándose y arañando los bordes de su fantasía, se verifica en un pequeño ámbito de superposiciones, transparencias y campos de figuras contrapuestos, todos post-cubistas.

En este clip, presento una sucinta muestra de su obra, espero sea de su agrado.

Henri Rousseau (1844-1910): Pintor Naïf.

Henri Rousseau (1844-1910), Autorretrato. (1903). Óleo sobre lienzo.  23 × 19 cm. Musé Picasso (París).

Henri Rousseau (1844-1910), Autorretrato. (1903). Óleo sobre lienzo. 23 × 19 cm. Musé Picasso (París).

Este apunte está tomado del libro de Robert Hughes: El impacto de lo nuevo. El Arte en el siglo XX.

“Puede decirse que los surrealistas se dirigieron a tres tipos de expresión que habían existido durante mucho tiempo, pero no habían sido tomadas en serio: el arte de los niños, el arte de los locos y el arte <<primitivo>>. Las tres fuentes prometían imágenes que, como procedían de niveles de baja instrucción, tampoco estaban sometidas a la censura, pero la más fructífera resultó se el arte <<primitivo>>, las obras de hombres y mujeres autodidactas, los pintores domingueros y los naïfs cuya compulsión de bosquejar sus experiencias tan directamente como fuera posible les parecía a los surrealistas más valiosa que cualquier suma de pintura profesional o académica.

Actualmente son muy pocas las personas que intentan dibujar lo que han visto o lo que les ha pasado. Pero aunque hace un siglo el pintor naïf era una rareza en Francia, no estaba extinguido en absoluto. La muerte de las tradiciones populares no había destruido esa especie, porque el naïf era un personaje urbano, convencido de su importancia como artista individual, y no estaba nada interesado en las técnicas del campesino o del pescador.

Entre los naïfs el único gran pintor fue Henri Rousseau (1844-1910). Conocidocomo el Aduanero debido a sus quince años de sefvicio como funcionario civil de menor cuantía, Rousseau ambicionaba exponer en los salones, en compañía de Manet y de Gèrôme, de Bouguereau y de Puvis de Chavannes. Si hubiera sido capaz de pintar <<mejor>> desechando sus características primitivas, seguramente lo habría conseguido; afortunadamente, pudo exponer sus cuadros anualmente, a partir de 1866, en el Salón de los Independientes, junto con los artistas modernistas profesionales que el salón oficial había excluido.No se dejó impresionar por aquellos pintores, a juzgar por el comentario que le hizo a Picasso para explicarle que ellos eran los dos pintores contemporáneos más grandes: <<Yo en el estilo moderno y tú en el egipcio>>. La primera característica que un ojo moderno encuentra fascinante en la obra de Rousseau, su intensa estilización (ver El Sueño), no era en absoluto lo que el pintor deseaba.

El sueño (1910), 204x298 cm. Óleo sobre lienzo. Museum of Modern Art, (New York).

El sueño (1910), 204×298 cm. Óleo sobre lienzo. Museum of Modern Art, (New York).

Él quería que sus visiones fueran absolutamente reales, cada figura, rostro, hoja, flor y árbol, medidos y concretos, enumerados hoja por hoja, vena por vena, pelo por pelo. Esta vocación de paciente formalidad se combinaba de extrañas maneras con su gusto por lo exótico. Rousseau solía justificar la <<realidad>> de sus escenas selváticas con una sarta de mentirijillas acerca de cómo él había visto todas aquellas cosas cuando servía en el ejército francés en México; era importante que esos espectáculos de maravillosa fantasía parecieran presenciados, no inventados. De hecho, habían sido presenciados dos veces: primero por el ojo temible de la imaginación de Rousseau, y luego en el Jardín Botánico, donde el viejo pasaba horas entre las palmeras y las aráceas tomando apuntes para sus obras, escuchando todo el tiempo los rugidos y los graznidos de los animales enjaulados en el zoológico que está al lado.

La claridad de visión de Rousseau aumentó aún más el tono compulsivo y como sonado de sus telas: ahí está la imagen, súbitamente, sin ambigüedades, tomada (como él había insistido) <<de la vida>>”.

Paso a presentar una muestra de su obra. Espero sea de su agrado.

La gitana dormida (1897), 130x201 cm. Óleo sobre lienzo, Museum of Modern Art, (New York).

La gitana dormida (1897), 130×201 cm. Óleo sobre lienzo, Museum of Modern Art, (New York).

La encantadora de serpientes (1907), 169x190 cm. Óleo sobre lienzo. Musèe d’Orsay (París).

La encantadora de serpientes (1907), 169×190 cm. Óleo sobre lienzo. Musèe d’Orsay (París).

La jungla ecuatorial (1909), 140,3 × 129,5 cm. Óleo sobre lienzo. National Gallery of Art (Washington, D.C.).

La jungla ecuatorial (1909), 140,3 × 129,5 cm. Óleo sobre lienzo. National Gallery of Art (Washington, D.C.).

Combate de un tigre y un búfalo (1891), 46 × 55 cm. Óleo sobre lienzo. Hermitage Museum.

Combate de un tigre y un búfalo (1891), 46 × 55 cm. Óleo sobre lienzo. Hermitage Museum.

Los flamencos (1907),  114 × 163.3 cm. Óleo sobre lienzo. Colección privada.

Los flamencos (1907), 114 × 163.3 cm. Óleo sobre lienzo. Colección privada.

Noche de Carnaval (1886), 117.3 × 89.5 cm. Óleo sobre lienzo. Philadelphia Museum of Art.

Noche de Carnaval (1886), 117.3 × 89.5 cm. Óleo sobre lienzo. Philadelphia Museum of Art.

Jardines de Luxemburgo, Monumento a Chopin, 38 × 47 cm. Óleo sobre lienzo. Hermitage Museum.

Jardines de Luxemburgo, Monumento a Chopin, 38 × 47 cm. Óleo sobre lienzo. Hermitage Museum.

Niño en las rocas, 55.4 × 45.7 cm. Aceite de lino. National Gallery of Art. (Washington, D.C.).

Niño en las rocas, 55.4 × 45.7 cm. Aceite de lino. National Gallery of Art. (Washington, D.C.).

 

Jugadores de fútbol (1908), 100.5 × 80.3 cm. Óleo sobre lienzo. Guggenheim Museum (New york).

Jugadores de fútbol (1908), 100.5 × 80.3 cm. Óleo sobre lienzo. Guggenheim Museum (New york).