Chema Lumbreras: “La Vida Robada” (Variaciones)

Cuema Lumbreras, 1957.

Cuema Lumbreras, 1957.

Nace en Málaga en 1957. Licenciado en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid. Chema Lumbreras inicia su trayectoria artística en 1981 con la exposición Arte inédito en el Taller 7/10 de Málaga. En 1984 le conceden el primer premio en el Certamen de Pintura Joven del Colectivo Palmo. Ha expuesto en diversas galerías de Málaga, Sevilla, Madrid, Oporto; ha participado en ferias de arte contemporáneo como ARTE LISBOA, ARCO, entre otras. Su obra se encuentra en diversas colecciones públicas como la Fundación Coca Cola, CAAC Sevilla, CAC Málaga y Colección Unicaja, así como en prestigiosas colecciones privadas. Vive y trabaja en Málaga.

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En sus pinturas y conjuntos escultóricos de pequeño formato, Chema Lumbreras crea un mundo de ficción en el que elabora, bajo la engañosa apariencia de una escena de cuento infantil, un potente discurso metafórico. Personajes híbridos entre lo humano y lo animal ilustran las más bajas pasiones del individuo contemporáneo y los desequilibrios de un mundo globalizado. La reducida escala de las figuras sirve al artista para elaborar escenarios inmensos, que comunican a la vez una sensación de fragilidad e insignificancia del ser humano. Tanto en las esculturas como en las pinturas, el artista malagueño nos presenta un fragmento de una narración que el propio espectador se encargará de completar.

Sus obras transmiten la realidad social que acontece en el entorno más cercano y en ellas se perciben pensamientos, dudas, disyuntivas y problemas del hombre actual.

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La Vida Robada

La Vida Robada

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La obra plástica de Chema Lumbreras pone en pie una fábula sin moraleja, una fábula en tránsito, en la que los defectos humanos son asimilados como accidentes inevitables, -no puedo dejar de pensar en los nadadores que están a punto de arrojarse del trampolín-; una poética que no exime la crítica en el modelo de representación ni en la elección de género y que coloca a este creador, por su independencia y valentía, entre los más interesantes y sugerentes del panorama del arte contemporáneo español.

La Vida Robada, Detalle.

La Vida Robada, Detalle.

Ayer, visitando el C.A.C. de Málaga, me encontré entre otras, con la obra expuesta “La Vida Robada”, aunque las condiciones de luz y mi cámara no permitieron una obtención de imágenes óptima, me he atrevido a realizar estas “variaciones” de lo que vi, no sin el temor de desmerecer la potente atracción de su obra de 3 metros de altura. No obstante de ello, ahí va el clip. Espero sea de vuestro agrado.

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El Románico: Introducción (Parte I)

Detalle del Tímpano de Santa Fe de Conques. (Francia)

Detalle del Tímpano de Santa Fe de Conques. (Francia)

Esta es la primera (Introducción) de tres partes en la que abordaremos el Arte Románico.

El Románico: Introducción

Llamamos así al arte que se desarrolla en la Europa y la Península cristiana en los siglos X, XI y XII, y que surge como resultado de una serie de esfuerzos y tanteos realizados durante los siglos V al X por los diferentes estilos llamados prerrománicos (visigodo, asturiano, carolingio, etc.). Se trata de un estilo artístico de asombrosa brevedad ya que el momento de máxima creatividad empezó a fines del siglo XI y en torno al año 1.140 había sido ya sustituido en Francia, en la Isla de París, por el estilo gótico, si bien en otros países perdura hasta fines del XII o, incluso, hasta principios del XIII.

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La península a comienzos del siglo X

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La Península en 1100

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Recuperación Cristiana del Siglo XII

Monumentos Prerománicos y Musulmanes.

Monumentos Prerrománicos y Musulmanes.

Expansión del Arte Románico.

Expansión del Arte Románico.

El Románico es el primer estilo internacional de la Edad Media o primer arte  unificado para toda la Europa cristiana, y ello es posible porque, en la época en que se origina, existe una firme interrelación entre los distintos países europeos motivada por dos hechos fundamentales: Las cruzadas y las peregrinaciones efectuadas a ciudades santas como Jerusalén, Roma o Santiago de Compostela. Las primeras, al tiempo que unen a los distintos reinos europeos en una empresa común, permitirán el contacto con Oriente dando paso a la llegada de influencias culturales y artísticas bizantinas y orientales; las segundas, ligadas al culto a las reliquias, favorecerán los intercambios culturales y artísticos dentro del continente europeo.No obstante, la unidad de estilo es relativa pero bastante llamativa si se tiene en cuenta la división política del continente, la economía predominantemente cerrada -economía feudal- y,     la economía predominantemente cerrada y, la vida esencialmente rural.

Francia es la cuna de este arte y su nacimiento está estrechamente relacionado con la orden benedictina de Cluny, cuyo abad San Hugo, al difundir la costumbre de venerar las reliquias de santos, instaura las peregrinaciones, y es a través de estas peregrinaciones como se producirá la difusión del arte románico, el cual se extiende desde Francia a los restantes países de Europa.

La Abadía de Cluny en 3D.

Abadía de Cluny

Abadía de Cluny

Abadía de Cluny

Abadía de Cluny

Abadía de Cluny

Abadía de Cluny

Detalle, Abadía de Cluny.

Detalle, Abadía de Cluny.

Tres hechos fundamentales enmarcan el nacimiento de este arte y dieron cohesión al estilo:

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“El terror al año Mil”

Durante todo el siglo X, Europa vive un clima de angustia Una serie de circunstancias políticas – invasiones de normandos, húngaros, etc-  generan este clima de desasosiego, pero los hombres de este siglo le dan una formulación religiosa y se propaga por todas partes la profecía del Apocalipsis en la que se entendía que el mundo desaparecería en el año 1.000. Cuando se comprueba que esto no ocurre, un sentimiento piadoso de acción de gracias va a multiplicar las manifestaciones colectivas de fe, y el arte religioso, consecuentemente, va a vivir una intensa renovación.

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El Juicio Final, Tímpano de Santa Fe de Conques.

Detalle del Centro del Tímpano de Santa Fe de Conques.
Detalle del Centro del Tímpano de Santa Fe de Conques.

Detalle de la parte izquierda del Tímpano de Santa Fe de Conques.

Detalle de la parte izquierda del Tímpano de Santa Fe de Conques.

Detalle de la parte derecha del Tímpano de Santa Fe de Conques.

Detalle de la parte derecha del Tímpano de Santa Fe de Conques.

“El Feudalismo”

El arte románico ha sido considerado como una manifestación artística de la sociedad feudal. El monasterio y el castillo – las construcciones más características del Románico – son la expresión de la superioridad de los dos estamentos que culminan la pirámide feudal: monjes y nobles poseen capacidad económica suficiente para patrocinar construcciones y son ellos, a la vez, los mecenas y clientes casi exclusivos de los artistas hasta el siglo XIII. Tanto el monasterio como el castillo cumplen con su cometido: resaltar la superioridad social de quienes podían costear estas obras. Ambas construcciones juegan un papel muy destacado en la sociedad feudal: el monasterio no sólo es un centro religioso y cultural sino también una unidad autosuficiente en lo económico pues vive de las rentas que le producen las tierras de alrededor (=feudo eclesiástico).

“Los obispos y los nobles, que eran los nuevos señores feudales, comenzaron pronto a ejercer su poder fundando abadías y monasterios.” E. H. Gombrich.

“Los obispos y los nobles, que eran los nuevos señores feudales, comenzaron pronto a ejercer su poder fundando abadías y monasterios.” E. H. Gombrich.

El monasterio no se edifica en la ciudad sino en medio de las inmensas posesiones agrícolas acumuladas por donativos que las órdenes monásticas disfrutaban. De igual forma, el castillo es el centro económico y militar del feudo de un noble.

Un mismo espíritu une a ambas construcciones pues el monasterio benedictino suele levantarse  en la altura como una fortaleza y es muy conocida la definición que se ha hecho de ellos considerándolos como “castillos de Dios”. El arte cumple así el cometido público de exhibir la majestad del poder: no se construyen edificios tan inmensos para que los fieles se reúnan a rezar o para que los campesinos convivan con los señores dentro del castillo, sino para resaltar la superioridad social de quienes podían costear estas obras que impresionaban por su desproporción respecto a las necesidades.

El monasterio, aunque existió desde los primeros tiempos del cristianismo, es durante la época del románico cuando alcanzan un desarrollo arquitectónico monumental. El monasterio posee todas las instalaciones necesarias para la vida del monje en comunidad:

La parte esencial es la iglesia, de menores proporciones que las de peregrinación pero iguales características, aunque prescindiendo de la girola. A un costado de ella se situaba el claustro, patio cuadrado rodeado de galerías porticadas, destinado a paseos y rezos individuales. A él daban las principales dependencias: sala capitular, refectorio (comedor), biblioteca, celdas de los monjes, etc.

Casi todos tenían un huerto y una granja que los propios monjes trabajaban, ya que la vida del monje transcurre entre rezos y trabajando, siguiendo el lema monacal: “ora et labora”.

Estructura del Monasterio de Cluny.

Un ejemplo peculiar de Monasterio en España es el Monasterio de San Juan de la Peña.

Planta del Monasterio de San Juan de la Peña.

Planta del Monasterio de San Juan de la Peña.

Planta del Monasterio:
a) Primera planta
1. Horno de pan
2. Panteón real
3. Panteón de nobles
4. Museo
5. Iglesia superior. Románica
6. Puerta mozárabe
7. Capilla gótica de San Victorián
8. Claustro románico
9. Capilla de San Boto
b) Planta baja
10. Iglesia prerrománica
11. Sala de concilios.

Monasterio de San Juan de la Peña.

Monasterio de San Juan de la Peña.

Claustro del Monasterio.

Claustro del Monasterio.

Arco gótico (Monasterio de San Juan de la Peña)

Arco gótico (Monasterio de San Juan de la Peña)

Adán expulsado del paraíso.

Adán expulsado del paraíso. (Monasterio de San Juan de la Peña)

La resurrección de Lázaro.

La resurrección de Lázaro.

Detalle de un capitel del Claustro.

Detalle de un capitel del Claustro.

“Las Peregrinaciones”

Desde antiguo, en Occidente, los lugares que contenían reliquias importantes eran visitados por peregrinos en busca de algún tipo de satisfacción: curación milagrosa, perdón de los pecados, etc. Ahora, a causa de la importancia que adquieren los monasterios en el s. XI, y el hecho de que muchos de ellos guarden reliquias de santos, se convierten en centros de afluencia – fomentado, sin duda, por los propios monjes por las ventajas económicas que las visitas colectivas les comportaban-  y las peregrinaciones cobran un relieve mayor, organizándose grandes rutas de peregrinación que, aparte el interés religioso o sociológico, lo poseen también cultural. Son vías de comunicación a todos los niveles, por la que transitan los artistas que pueden trabajar en lugares muy distantes entre sí, colaborando, con su vida itinerante, a divulgar normas constructivas y estéticas desde un lugar a otro. A lo largo de los cami­nos de peregrinación surgirán edificios de culto que guardan entre sí una serie de rasgos comunes, por lo que se ha dicho que “el románico es el arte de los caminos de peregrinación“.

Los grandes centros de peregrinación habían sido Roma y Jerusalén, pero ahora hay que añadir otros, como Mont Saint Michel, en el norte de Francia, y, por encima de todos, Santiago de Compostela, en Galicia, lugar donde, según las creencias, se había descubierto, en el primer tercio del s. IX, el sepulcro del Apóstol Santiago, martirizado en Palestina y trasladado a este lugar por algunos de sus discípulos. Tales creencias suscitan entre la población europea un especial interés por dirigirse a esa localidad para venerar los restos del Apóstol, dando así lugar a las rutas jacobeas o caminos de peregrinación a Santiago que tanto auge tuvieron durante la Edad Media.

Mapa Bilingue de Le Mont St. Michel.

Mapa Bilingue de Le Mont St. Michel.

Camino de Santiago

De cuantas rutas se habilitaron a los peregrinos europeos para acceder hasta Compostela, el llamado “camino francés” era el más importante: La ruta cruzaba Francia entera para después penetrar en España por los puertos pirenaicos de Somport o Roncesvalles; ambos caminos se unían en Puente La Reina y desde aquí, atravesando Navarra, la Rioja y tierras norteñas castellano‑leonesas, se llegaba a Galicia teniendo como meta final la ciudad de Santiago de Compostela.

El “Codex Calixtinus” – del que se conserva una copia del s. XII en la Catedral de Santiago ‑ era una especie de guía del peregrino donde se narraba todo lo relativo al viaje, detallando, incluso, los lugares más apropiados para hospedarse. Es a través de este camino de peregrinación por donde penetra en España el arte románico nacido en Francia.

Principales caminos de peregrinación a Santiago de Compostela.

Principales caminos de peregrinación a Santiago de Compostela.

Para terminar esta primera parte y a modo de presentación de las entradas venideras dejo este ejercicio de animación que realicé en PowerPoint y he pasado a vídeo. Espero sea de su agrado. Ver a pantalla completa y en HD.

Hipomenes y Atalanta; Guido Reni.

Guido Reni (Calvenzano di Vergato, cerca de Bolonia, 4 de noviembre de 1575 - Bolonia, 18 de agosto de 1642) fue un pintor italiano perteneciente a la Escuela Boloñesa y famoso del clasicismo romano-boloñés.

Guido Reni (Calvenzano di Vergato, cerca de Bolonia, 4 de noviembre de 1575 – Bolonia, 18 de agosto de 1642) fue un pintor italiano perteneciente a la Escuela Boloñesa y famoso del clasicismo romano-boloñés.

El mito

Atalanta hija de Jasos y de Climene. De gran belleza y agilidad vencía en la carrera a los mismos centauros. Cazaba en los montes y fue la primera que hirió al jabalí de Calidonia,  fue también vencedora en la carrera de los juegos fúnebres que organizó Peleo, padre de Aquiles, en honor de su difunto hijo tras la guerra de Troya.. Su padre la ofreció como esposa a aquel que fuese capaz de vencerla en la carrera. Además de estar consagrada a Artemisa, lo que implicaba que debía mantenerse siempre virgen, un oráculo le predijo que el día en que se casara sería convertida en animal. Por ello, para evitar cualquier pretendiente, anunció que su esposo sería sólo aquél que lograra vencerla en una carrera; por el contrario, si ella triunfaba, debía matar a su oponente. Aun cuando Atalanta concedía ventaja a sus rivales al comienzo de la competición, ella siempre vencía y les daba muerte.

Así fue hasta que apareció el hombre que logró derrotarla. Este apuesto joven, llamado Hipómenes (hijo de Aristomaco y de Mitidice, fue uno de los siete caudillos de la guerra de Tebas. Pereció luchando ante la puerta Oneca a manos de Hiperbios) héroe hermoso y ágil, protegido por afrodita, que le aconsejó que en la carera dejase caer al suelo manzanas de oro del jardín de las Hespérides; así lo hizo y Atalanta detuvo su velocidad para irlas recogiendo, siendo de esta manera vencida. De esta unión nació un hijo, Parténope. En una ocasión Atalanta e Hipómenes se abandonaron a la pasión amorosa estando e el templo de Deméter (Cibeles), y la diosa, ofendida, los transformó en leona y león, obligándoles a arrastrar su carro.

La obra

Reni, Guido. Hipómenes y Atalanta. 1618 – 1619. Óleo sobre Lienzo. 206 cm x 297 cm. Escuela Italiana. Museo del Prado.

Reni, Guido. Hipómenes y Atalanta. 1618 – 1619. Óleo sobre Lienzo. 206 cm x 297 cm. Escuela Italiana. Museo del Prado.

Las dos figuras aparecen en un paisaje oscurecido, en el que el cromatismo terroso del celaje es similar al del suelo, haciendo resaltar los suaves tonos de los paños de pureza y la carnación de las dos figuras, muy iluminadas, sobre el oscuro fondo. El gran dinamismo de los cuerpos se resalta en líneas diagonales, que reflejan unos elegantes movimientos, más coreográficos que deportivos. Ambos personajes descansan su peso sobre un sólo pie de apoyo. Las líneas de tensión y las opuestas direcciones determinan una composición abierta. Todas las características muestran una tensión entre dos mundos estéticos que se dan simultáneamente en la Italia del mil seiscientos: el estilo barroco caravaggista y el clasicismo de los Carracci, escuela ésta en la que se enmarca el autor. Esta obra resume el ideal de belleza de elegantes proporciones e interpretación del mundo clásico, característico del clasicismo romano-boloñés.