Goethe-Tischbein/Pinturas homéricas y Werther

Johann Heinrich Wilhelm Tischbein, también conocido como Goethe-Tischbein, esto es, Tischbein de Goethe (Haina, 15 de febrero de 1751 – Eutin, 26 de febrero de 1829) fue un pintor y grabador alemán.

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Johann Heinrich Wilhelm Tischbein (1751-1829), Autorretrato, 1783. Óleo sobre lienzo. Ubicación actual: Weimar Stadtschloss

Pertenecía a la familia de pintores Tischbein. Fue alumno de sus tíos, primero de Johann Heinrich en Kassel, pintor que se dedicaba al retrato cortesano; y después de Johann Jakob en Hamburgo y Holanda. En este último país estudió la pintura del siglo XVII y en Suiza donde entró en contacto con el movimiento del Sturm und Drang. En el año 1777 marchó a Berlín, donde trabajó como retratista. Pasó dos años trabajando como retratista en Bremen y Berlín.

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Johann Heinrich Wilhelm Tischbein (1751-1829), Ulises anhela Ithaca, sin fecha. Pluma dibujo en papel blanco, pintura al agua. 32.4 x 20.7 cm. Oldenburger Landesmuseum für Kunst und Kulturgeschichte.

Como muchos de sus colegas contemporáneos, Tischbein vivió en Roma durante algunos años. En 1779 obtuvo una beca de estudios para ir a Italia, lo que le permitió pasar por Múnich y Núremberg, donde pudo estudiar las obras de Alberto Durero, de las cuales copió los Apóstoles. Durante esta primera estancia en Roma (1779–1781) su estilo cambió del rococó al neoclasicismo. Pintó paisajes, escenas históricas y bodegones. En Zúrich en 1781, gracias a Lavater, entró en contacto con Goethe. De estos años son las telas, ambas conservadas en el Goethe Nationalmuseum de Weimar, Götz y Weislingen y la Vista de San Gotardo, siendo esta última una de las primeras interpretaciones románticas del paisaje suizo.

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Johann Heinrich Wilhelm Tischbein (1751-1829), Homero. Ilíada Héctor se dirige a Paris y Helena, y lo exhorta a ir a la guerra, 1786. Ubicación actual: Augusteum (Oldenburg).

Su segunda estancia en Roma, gracias a una segunda beca de estudios, duró dieciséis años (1783–1799). En Italia se adhirió al movimiento neoclásico, cambiando incluso sus iconografías, si bien al comienzo siguió tratando temas inspirados en la historia nacional alemana, pronto pasará a temas de la antigüedad clásica, siguiendo el ejemplo de Jacques-Louis David.

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Johann Heinrich Wilhelm Tischbein (1751–1829), Odysseus y Penelope, 1802. Óleo sobre lienzo. 86.8 × 107.9 cm. Colección Privada.

Debe su apodo de Goethe-Tischbein a su celebérrimo cuadro del escritor que se conserva en Fráncfort del Meno. Profundizó en su amistad con Johann Wolfgang von Goethe en 1786, acompañándolo a Nápoles en 1787. Más tarde, Goethe relató este viaje en su Italienische Reise (Viaje italiano). De ese mismo año es su obra más famosa, un retrato de Goethe como viajero en la campiña romana (actualmente en el Instituto Städel, Fráncfort del Meno).

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Johann Heinrich Wilhelm Tischbein (1751-1829), Goethe en la Campiña romana, Roma , 1787. Óleo sobre lienzo, 164 × 206 × 64,6 cm (81,1 pulgadas). Instituto Städel, Fráncfort del Meno.

El famoso retrato del gran poeta se creó durante la estancia de Goethe en Italia de 1786 y 1788. En la Via del Corso en Roma, Goethe y Tischbein a los que les unía una gran amistad, compartieron un estudio. Son característicos de este cuadro la concepción de la composición como si se tratara de una estatua heroica y el contenido bien estudiado. Goethe, gran admirador del mndo greco-latino, homenajea a los antiguos clásicos con su Ifigenia.

El escritor aparece en una pose meditabunda y solemne sobre el fondo de Appia antica, entre restos de esculturas, ruinas de acueductos y a lo lejos el perfil de los Castelli, no un simple retrato-souvenir, sino verdaderamente un recuerdo del Grand Tour emprendido por Goethe, mas la consagración del Grand Tour como un rito irrenunciable e iniciático para toda una generación de amigos de lo antiguo.

Un complemento musical a esta entrada: La Ópera Werther de Jules Massenet.

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Werther es una ópera en cuatro actos con música de Jules Massenet y libreto en francés de Édouard Blau, Paul Milliet y Georges Hartmann, basada en la novela epistolar Los sufrimientos del joven Werther (Die Leiden des jungen Werthers), de Goethe.

Composición

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Es un proyecto largo tiempo meditado por Massenet; los primeros esbozos se remontan al año 1880. La esencia de la composición se desarrolló entre 1885 y 1887. El secreto del éxito logrado por Massenet en el dominio de la ópera es más razonable atribuirlo a la facilidad y frescura de su vena melódica que a razones estrictamente teatrales. Los libretistas, Édouard Blau y Paul Milliet, adaptaron la novela epistolar de Goethe, desarrollando particularmente el papel de Charlotte para hacer un personaje tan importante como el rol titular. El sentimiento puramente francés, típicamente parisino de Massenet, se encuentra íntegro en toda su producción, incluso en este germánico Werther, derivado de la famosa novela de Goethe. Pero hubo un momento en que no se creyó así. La obra fue rechazada por el teatro de la Opéra Comique de París, cuyo director, Léon Carvalho, encontró “este triste tema sin interés”.

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Partitura del famoso pasaje “Pourquoi me réveiller?” (TercerActo) ¿Por qué me despiertas, oh viento de primavera? Mañana en el valle vendrá el viajero Recordando mi primera gloria … Y sus ojos en vano buscarán mi esplendor, …. … …

Quiero terminar esta publicación con esta vital y maravillosa interpretación de este “Pourquoi me réveiller?” en la voz de uno de los mejores  tenores líricos de la actualidad, el peruano Juan Diego Florez. Espero sea de vuestro agrado.

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La gran bañista/La bañista de Valpinçon: Dominique Ingres

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Detalle (1)

La obra de Ingres, anclada en el academicismo sólo aparentemente, constituye sin duda un jalón esencial hacia las revoluciones artísticas de finales del siglo XIX y principios del siglo XX. Descendiente de Rafael y de Poussin, su obra es a la vez anunciadora de Picasso y de las distorsiones anatómicas; inspirando la renovación de las escuelas europeas del siglo XIX, especialmente de la española.

Ingres no es, en sentido estricto, neoclásico ni académico, sino un ferviente defensor del dibujo. Resulta a la vez clásico, romántico y realista. Ingres constituye un claro exponente del romanticismo en cuanto a los temas, el trazo abstracto y las tintas planas de intenso colorido. Algunas de sus obras se enmarcan en el llamado «Estilo trovador», inspirándose en el ideal estético griego y gótico, además de en las miniaturas de los libros de horas de Fouquet. Igualmente, es ejemplo de orientalismo, pues muchos de sus cuadros, especialmente desnudos femeninos, están dominados por un sentido irreal del exotismo propio del siglo XVIII.

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Detalle (2)

“La bañista de Valpinçon fue pintada en Roma en 1808, cuando triunfaba la poética canoviana de la “belleza ideal” a la que Ingres no era en absoluto insensible. Para Canova labelleza ideal estaba en la figura o, más exactamente, en la sublimación de la figura hasta su identificación con la idea transcendental de lo bello; el medio apropiado de esta búsqueda era, pues, la escultura, que aislaba a la figura de la contingencia de las condiciones ambientales. Ingres consideraba más apropiada la pintura que, naturalmente, representa a la figura junto con el espacio en que se encuentra. Para él, pues, lo bello o la forma no está en la cosa en sí, sino en la relación entre las cosas. Este conjunto de relaciones estará claro cuando todos los componentes de la forma (línea, claroscuro, color, luz) constituyan un todo unitario, una síntesis.” (Argan, G.C., ob., cit. pág. 49-50)

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La bañista de Valpinçon o La gran bañista, Jean-Auguste-Dominique Ingres, 1808. Óleo sobre lienzo, 146 cm × 97,5 cm. Museo del Louvre, París.

La representación de desnudos femeninos es una de las constantes en la obra de Ingres. Desde sus inicios, siempre quiso convertir las líneas y las formas sencillas en el medio adecuado para expresar la belleza ideal y la fuerza. Mediante el contorno realza el cuerpo y los objetos de manera clara y precisa, y los modela haciendo un uso magistral de la luz, a través siempre de un delicado juego de luces.

La composición está dominada por la figura de la mujer desnuda, siendo mínima la escenificación: una cama cubierta por una sábana blanca y un cortinón verde oscuro a la izquierda.

El torso femenino está realizado con un gran refinamiento de contornos y de colores. La mujer está iluminada por los reflejos difusos de la toalla y del turbante que limita con líneas arabescas. La luz se concentra en la espalda de la mujer.

El atractivo radica sobre todo en la monumentalidad de la figura individual. Presenta el ideal de belleza femenina de Ingres, a pesar de apreciarse algunas incorrecciones anatómicas, como la planta del pie hinchada, la excesiva delgadez de las piernas y la ausencia de caderas.

En cuanto al cromatismo, predominan los tonos cálidos de la piel de la mujer, que contrastan con el blanco puro de la sábana y el verde oscuro de la cortina.

ARQUITECTURA INDUSTRIAL (Edificios de Hierro y Cristal)

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Interior Palacio de Cristal. Madrid.

-P R E L I M I N A R E S-

El reencuentro con la antigüedad en la segunda mitad del siglo XVIII ya significó un primer “Revival”, esto es, una suerte de resurrección de la estética del pasado que a lo largo del siglo XIX explorará las posibilidades de la historia como fuente de inspiración, haciéndose cómplice de ella el artista al encontrarse incapaz de rebasarla.

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Max Klinger – Beethoven

Así ocurrió con la escultura al modo antiguo, cuyo clasicismo radicaba en el tema elegido y en su blanca plasmación material, como muestra la poetisa Safo de Jean-Jacques Pradier o bien con el eclecticismo más atrevido de Max Klinger  al enfrentarse a la figura heroica de Bethoven de efectista concepción y cromática composición marmórea ejecutada a finales de siglo.

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Safo, Jean-Jacques Pradier. Mueso de Orsay (París)

La arquitectura del siglo XIX supone cambios radicales en las formas, las estructuras, los materiales, las tipologías, e incluso en la relación del edificio con el hombre y el medio.

La arquitectura europea hasta mediados del siglo XVIII presenta un carácter unitario, aunque adopte formas peculiares en cada país, pero siempre con características comunes. Sin embargo, la fatiga de las formas barrocas provocará una reacción que no va a ser unívoca: en los primeros años del siglo  podemos encontrar puentes de hierro, abadías neogóticas y arcos de triunfo clásicos. Esta diversidad refleja el eclecticismo que caracterizará y definirá al siglo XIX. Durante la mayor parte de este siglo, la burguesía busca una arquitectura que refleje su poder. Lo conseguirá mediante dos opciones:

  1. las corrientes historicistas
  2. la experimentación y el uso de nuevos materiales: hierro, vidrio y hormigón

Partiendo de estos antecedentes, en los últimos años del  XIX y  principios del XX aparecerá una corriente artística con personalidad propia, el Modernismo, que supone la transición entre el eclecticismo del XIX y la investigación y revolución del XX.

Historicismos

En el campo de la Arquitectura donde la Antigüedad o la Edad Media marcaron la pauta de edificios tanto religiosos como civiles, es decir, desde la terminación de la Catedral de Colonia en 1880, hasta el Hotel de St Pancras de Londres proyectado y construido por las mismas fechas en estilo neogótico por George Gilbert Scott.

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Detalles. Catedral de Colonia

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St Pancras Renaissance London Hotel desde Euston Road.

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Magnífica escalera de Gilbert Scott. Hotel St. Pancras, Interior.

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Atrio de St. Pancras Renaissance Hotel

Después de las visiones de Piranesi y de los utópicos proyectos del iluminismo en la línea de Boullée (Ver en este mismo Blog: Cenotafio de Newton: Boullée, Étienne-Louis, 1728-1799; Arquitectura (Neoclasicismo visionario) )   quedó abierto el difícil camino que habría de recorrer la arquitectura a través del siglo XIX. El Neoclasicismo había cerrado la centuria anterior como el último gran estilo arquitectónico basado en la rígida disciplina académica de los órdenes clásicos, su imagen llegó a identificarse con el siglo de las luces encontrándose vinculada a obras tan singulares como el Observatorio Astronómico de Madrid, obra de Juan de Villanueva.

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Templo de Cástor y Pólux. Veduta di Campo Vaccino. Giovanni Battista Piranesi.

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Cenotafio de Newton: Boullée, Étienne-Louis, 1728-1799; Arquitectura (Neoclasicismo visionario)

Cenotafio de Newton: Boullée, Étienne-Louis, 1728-1799; Arquitectura (Neoclasicismo visionario)

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Observatorio Astronómico de Madrid: Juan de Villanueva.

Observatorio Astronómico de Madrid:  Juan de Villanueva.

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Museo Orsay (Fachada)

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Museo de Orsay, Interior.

Toda la evolución del lenguaje arquitectónico descrito hasta ahora se conoce como el “movimiento”: Los historicismos arquitectónicos.

Con este nombre de “historicismos” se viene deno­minando al movimiento que pretende la resurrección de lenguajes arquitectónicos alejados en el tiempo. La fuga de la realidad (escapismo), nota típica del Romanticismo, incita a los arquitectos a la revitalización (“revivals”) de los esti­los del pasado, dando lugar así a lo que también se ha denominado los “neo-estilos“: neo-egipcio, neo-árabe, neo-bizantino, neo-gótico, etc.   Muchas veces, como ocurre en al­gunos países, se llegan a mezclar en un mismo edificio elementos arquitectónicos de los más variados estilos, dando lugar a un arte ecléctico o curiosos híbridos arqui­tectónicos.

La imitación de estilos que se corresponden con épocas más alejadas en el tiempo o en el espacio – arte egipcio, chino o indio – se había iniciado ya a fines del XVIII y continuará en los comienzos del XIX. Así, por ejemplo, la expedición que Napoleón había realizado a Egipto, unido a las descripciones de viajeros que vuelven de ese país, despertaron un interés por resucitar pirámides,    especialmente en monumentos funerarios, como los cementerios que se construyen en Inglaterra o Estados Unidos, con esfinges, co­lumnas palmiformes y lotiformes, etc. De igual manera, la expansión colonial inglesa por la India, despierta el interés por su arquitectura y hace su aparición el arte neo-   indio, aunque pocas veces aparece este arte en un estado puro ya que se utilizan materiales nuevos,   hierro colado por ejemplo, como ocurre en el Pabellón Real de Brighton. El estilo neo-chino se usa principalmente en pequeños pabellones, como pagodas y kioscos que se ponen de moda en los Jardines románticos.

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El Royal Pavilion (Brighton) en la actualidad con sus jardines, abiertos ambos hoy en día al público.

Los cambios del mapa europeo tras la caída de Napoleón y el advenimiento de la burguesía al poder provocan un fuerte interés por conocer las raíces históricas medievales. Por otro lado, el Romanticismo, como ya vimos anteriormente, sintió una gran admiración por la Edad Media. Estos hechos van a tener su reflejo en la revitaliza­ción de los estilos arquitectónicos medievales y así tendremos: neo-románico, neo­gótico, neo-bizantino, etc.

Pero será el gótico el que despierte mayor interés de todos los estilos medievales hasta el punto de que el neo-gótico se va a convertir en una verdadera alternativa al clasicismo y al resto de los “historicismos” en general.

Uno de los primeros arquitectos neo-góticos es el inglés Augustus Welby Pugin, autor de la Catedral de Killarnay y decorador gótico del Parlamento de Londres, construido por Charles Barry

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Catedral de Santa María, Killarney

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Palacio de Westminster en Londres.

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J. M. W. Turner observó el fuego de 1834 y pintó muchos lienzos representándolo, incluyendo El incendio de las Cámaras del Parlamento (1835).

Puede verse en este Blog. Haz clic.

En Francia, el arquitecto neo-gótico más importante es VIOLLET-LE-DUC, restaurador de numerosos castillos y catedrales góticas francesas y constructor de otras nuevas que apenas se diferencian de las auténticas.

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Eugène Viollet-le-Duc , busto de bronce por Ernest-Eugène Hiolle . Castillo de Pierrefonds, Francia.

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Castillo de Pierrefonds

En la segunda mitad de siglo continuará muy activo este historicismo tanto en la Inglaterra victoriana como en otros países, como Alemania y España. Alemania, en este estilo termina algunas de sus catedrales góticas, como la ya mencionada anteriormente Catedral de Colonia. En la España de la Restauración se hacen obras neogóticas muy representativas, como la Basílica de Covadonga, aunque aquí, algunas veces, aparece mezclado el gótico con elementos de otros estilos medievales, dando lugar a una arquitectura ecléctica. Otro historicismo medieval que tuvo gran aceptación en España fue el neo-árabe, empleado, sobre todo, para arquitecturas de plazas de toros, como las de Madrid o Málaga.

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Basílica de Santa María la Real de Covadonga

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Plaza de Toros de Málaga. “La Malagueta”. Neo-mudéjar.

En resumen: Texto: D. José Luque Baena.

ARQUITECTURA HISTORICISTA

Corriente arquitectónica que se desarrolla durante el siglo XIX y que pretende la imitación de las formas arquitectónicas de tiempos o espacios lejanos. Como precedente tenemos el estilo Neoclásico, que comienza en el XVIII pero que se prolongará durante el XIX.  Ya en este último siglo, surge el movimiento romántico, que impulsado por las facilidades para viajar ante los nuevos sistemas de transportes, defenderá la vuelta al pasado  y el estudio de las culturas lejanas y desconocidas. En lo concerniente a la arquitectura, esto provocará:

  • por una parte, el gusto por las formas exóticas: arábigas, hindúes (como el PABELLÓN REAL DE BRIGHTON en Inglaterra, obra de John Nash),etc .
  • y por otra, defenderá la imitación de estilos artísticos ya pasados. En Inglaterra partirá del  redescubrimiento de las formas medievales, sobre todo góticas, dando lugar a la arquitectura neogótica (de la que tenemos como ejemplo el PARLAMENTO DE LONDRES, obra de Carlos Barry), neorrománica, o neobarrocas. Paralelamente, al coincidir con un momento de auge de los nacionalismos, se pondrán en alza en cada país estilos arquitectónicos que formen parte de su historia: el neomudéjar en España, el neorenacimiento en Italia.

Con el tiempo incluso se mezclarán llegando a crear una arquitectura ecléctica que producirá verdaderos pastiches. También característico de finales de siglo es que la tipología de los edificios aparece cada vez más subordinada a la función: las iglesias serán neorrománicas o neogóticas, los bancos y bolsas serán neoclásicos, los teatros neobarrocos o las plazas de toros neomudéjares. Es lo más moderno de esta arquitectura, ya que anticipa la futura subordinación forma-función.

Modernismo:

Con respecto a esta arquitectura historicista surge con una intención innovadora -pues busca algo nuevo, diferente a los estilos del pasado- un nuevo movimiento: El Modernismo.

Se trata de un movimiento estético de difusión internacional que encuentra en la arquitectura una de sus principales manifestaciones. Se le conoce con diferentes nombres en Europa: “Art nouveau” (en Francia y Bélgica), “Modern Style” (Gran Bretaña), “Jugensdstil” (Alemania) y “Modernismo” en España.

A pesar de ser un movimiento fugaz – en algo más de una década, de 1895 a 1910, apa­rece, triunfa y se agota – fue un movimiento de gran intensidad.

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Entrada a la estación de metro Abbesses en París, obra de Hector Guimard. Art nouveau.

Hector Guimard. Art nouveau.

Nace este movimiento de minorías exquisitas, cosmopolitas y urbanas y aunque se presenta con características propias en cada país, ciertos rasgos comunes lo definen: es esteticista, refinado, elegante y renovador.

Como uno de los principales representantes en nuestro país tenemos a Gaudí, del que podemos ver en este blog su obra en la ciudad de Comillas. (Haz clic)

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Gaudí fotografiado por Pablo Audouard (1878).

Arquitectura industrial: Edificios de hierro y cristal

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Torre Eiffel vista desde el puente Mirabeau.

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Palacio de Cristal. Interior. Jardines del Retiro. Madrid.

Llamamos así a la arquitectura que va a utilizar los nuevos materiales que van unidos a la Revolución industrial, dando a conocer materiales como el hierro colado o fundido, el acero laminado, el hormigón armado o el cristal.

Con estos materiales se construirían lugares con grandes espacios diáfanos, invernaderos, mercados, naves, fábricas, puentes, etc., todo lo necesario para satisfacer las

Esta arquitectura nace como necesidad de solucionar nuevos problemas arquitectónicos nunca planteados anteriormente (necesidades de la nueva sociedad capitalista e industrial), como los que originan las grandes estaciones de ferrocarriles, las amplias salas de exposiciones industriales, puentes colgantes,  hospitales, mercados, escuelas, etc. No hay que olvidar que en este siglo la población crece a un ritmo vertiginoso y para satisfacer todas las demandas es necesario construir mucho, muy aprisa y a precios moderados. Sólo los nuevos materiales harán posible esta arquitectura. Ya a fines del s. XVIII habían surgido las primeras obras construidas con hierro fundido. Se trata de construcciones utilitarias como el Puente de Coalbrookdale, sobre el río de Severn (Inglaterra).

Aunque el primer efecto de la revolución industrial sobre la construcción fue la extensión del ladrillo, el material que revolucionó la arquitectura fue el hierro. A partir de 1750 se sustituye el carbón vegetal por el mineral lo que permite la obtención del hierro fundido o colado que tiene mayor contenido de carbón que el hierro. El resultado es un material duro e inflexible y muy resistente a la compresión, produciéndose además en grandes cantidades. Esto sucedía en Inglaterra en 1750, lugar en el que comienza a emplearse en la construcción de máquinas y raíles.

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Puente de Coalbrookdale (Iron Bridge); El Iron Bridge, el primer puente de hierro de la historia, se construyó en 1779 en la Garganta del Severn para unir la ciudad de Broseley con el pequeño pueblo minero de Madeley y el creciente centro industrial de Coalbrookdale.

Este ejemplo será pronto imitado en los restantes países europeos industrializados, como el Puente de las Artes (París).

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Construido de 1801 a 1804, fue el primer puente metálico de la capital francesa.

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El Pont des Arts, visto desde el Pont Neuf en París, Francia.

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Pont des Arts, Paris, France

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Pierre-Auguste Renoir (1841-1919). Le Pont des Arts de París, entre 1867 y 1868. Óleo sobre lienzo, 60,9 × 100,3 cm. Norton Simon Museum.

El hierro colado permitía la recreación de formas decorativas; la columna de apariencia clasicista será uno de los elementos más utilizados. El hierro colado pasaría poco a poco a ocupar posiciones de mayor significación constructiva. Primero como pie derecho en forma de columna, luego sustituyendo a las vigas de madera y después a los marcos de las ventanas. Esta evolución se aplicó sobre todo a los edificios fabriles. La fábrica de hilaturas de algodón de Philip and Lee, construida en Stanford (Manchester), en 1801, presenta por primera vez una estructura íntegramente de hierro fundido, los muros eran de ladrillo y tenía 7 plantas. Fábrica que se convertiría en prototipo. Los beneficios que generaba este sistema eran enormes: un espacio interior amplio, se rentabiliza mejor el espacio también en altura, ya que se posibilita el incremento de plantas. Aumento de la seguridad del edificio, ya que el hierro es infinitamente más seguro que la madera.

Así, a medida que avanza el s.XIX, el uso del hierro se va generalizando y en algunos historicismos se va empleando también, aunque encuentra gran oposición en los arqui­tectos tradicionales. Lo característico, durante cierto tiempo, será la pugna entre arquitecto (artista) e ingeniero (técnico) ya que al primero le interesa sólo crear belleza y no le procuran excesivamente las necesidades de su época, mientras que al ingeniero sólo le preocupa la utilidad y su cometido principal es solucionar proble­mas. No obstante, a pesar de la oposición que encontraría el hierro al principio entre los arquitectos, hacia mediados de siglo surgen ya grandes arquitectos capaces de ofrecer auténticas obras de arte empleando los nuevos materiales.

Como arquitectos principales destacan, en primer lugar, HENRY LABROUSTE, cuya formación inicial fue académica, aunque pronto se sintió atraído por los nuevos mate­riales y llegó a abrir una escuela privada para combatir la influencia de la Escuela de Bellas Artes.

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Buste de l’architecte Henri Labrouste dans l’escalier de la Bibliothèque Sainte-Geneviève . Sculpteur: Eugène Guillaume (1822-1905)

Hacia mitad de siglo construye la Biblioteca de Sainte Genovieve (París), el primer edificio público construido en hierro desde los cimientos hasta la cubierta, si bien la fachada es una especie de “máscara” inspirada en lo clásico.

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Salle Labrouste inauguración de la Nouvelle salle de lecture en juin 1868 . Le Monde Illustré

La Biblioteca de Santa Genoveva está situada en París, en la Plaza del Panteón, y alberga aproximadamente dos millones de documentos. Forma parte de la Universidad Sorbona Nueva – Paris.

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Biblioteca Santa Genoveva. París.

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Fachada de la Bibliothèque Sainte-Geneviève, una biblioteca académica situado en la Montagne Sainte-Geneviève. Fue diseñado en estilo neo-griego por el arquitecto Henri Labrouste (1801-1875). Place du Panthéon, París.

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Paneles (Catálogo) Fachada.

El edificio fue proyectado por Henri Labrouste a mediados del siglo XIX, y finalizado en 1861. Su interés arquitectónico radica en ser uno de los escasos ejemplos de Arquitectura del Hierro de ese siglo; aunque en el exterior se imita el estilo renacentista, la estructura metálica que sostiene el edificio puede verse en el interior.

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Estructura de soporte en hierro y el techo de la sala de lectura de la Bibliothèque Sainte-Geneviève

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Sala de lectura de la Biblioteca de Sainte-Geneviève , París.

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Sala de lectura de la Biblioteca de Sainte-Geneviève, París.

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Biblioteca Nacional de Francia – Site Richelieu-Louvois – Salle Labrouste – Voûte

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Photograph of Bibliothèque Sainte-Geneviève by Henri Labrouste in Paris, ca. 1850

La aceptación social del hierro se desarrollaba con  extraordinario éxito. La arquitectura y el cristal sus protagonistas. A partir de la construcción de espectaculares invernaderos como el de Chatsworth, la Palm House del Real Jardín Botánico de Kew.

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Jardín Botánico de Kew. Londres. Inglaterra.

En Málaga, mi ciudad. Invernadero de los Jardines de San José y otros elementos arquitectónicos en los Jardines de la Concepción.

La Finca San José fue construida durante el primer tercio del siglo XIX por el Sr. Manuel Agustín Heredia y su esposa, la Sra. doña Isabel Livermore y Salas, la familia de los Heredia, y destinada a ser la residencia de recreo de la familia.

Los jardines de la Finca San José son de estilo romántico y paisajista y reúnen gran variedad de especies que debieron plantarse durante la segunda mitad del siglo XIX. Esta pluralidad de especies se vio agraciada por el hecho de ser la familia Heredia propietaria de una poderosa flota naviera, en cuyos barcos probablemente viajaron muchos especímenes que hoy podemos admirar.

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Invernadero Jardines de San José. Málaga

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Invernadero Jardines de San José. Málaga

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Interior (Detalle)

Jardines y Casa Palacio de la Concepción (Málaga)

La casa palacio de La Concepción fue construida por el arquitecto alemán August Orth en 1857. Se trata de un palacete de construcción de estilo neoclásico, con predominio de líneas clásicas y con un cuerpo central encajado entre pilastras jónicas, que tiene una superficie total construida de 1.729 metros cuadrados.

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Casa Palacio (Fachada principal)

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Interior Casa Palacio.

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El palacete está distribuido en dos plantas y cuenta con un patio central.

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Glicinias en floración. Jardines de la Concepción. Málaga.

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Glicinias en floración. Jardines de la Concepción. Málaga.

Otoño en lo Jardines de la Concepción.

Pero donde el empleo del hierro y cristal triunfan por entero es en los pabello­nes de las grandes Exposiciones Universales, concebidos para la exhibición de produc­tos de la industria, del comercio y de las artes. La primera de ellas fue inaugurada en Londres y pretendía satisfacer dos espiraciones: expresar los avances de la indus­tria moderna y poseer una gran amplitud y diafanidad. Ambas cosas las consigue YOSEPH PAXTON en su Palacio de cristal, construido sólo en seis meses sobre una superficie de 70.000 metros cuadrados, utilizando elementos prefabricados y módulos de hierro y cristal.

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Parte frontal (LH) y la parte trasera vista (RH) y una visión general de Crystal Palace de Londres (Paxton). 1851.

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Grabado

Otras imágenes que se conservan del original Crystal Palace.

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Similares alardes arquitectónicos se repitieron más tarde en Europa y América, destacando la Galería de las máquinas construida en París para la Exposición Univer­sal de 1889, con una bóveda de  una amplitud hasta entonces desconocida.

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Vista interior de la Galería de las Máquinas, exposición Universelle Internationale de 1889, París, Francia.

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Gustave Eiffel en 1888 fotografiado por Nadar.

Gustave Eiffel en 1888 fotografiado por Nadar.

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Primer diseño

Exposition universelle de 1889 / État d'avancement

La Torre Eiffel: Estado de la Construcción en 1888.

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Vista desde los Campos de Marte.

En el último tercio de siglo la arquitectura del hierro y cristal conoce un gran apogeo en EE.UU., destacando sobre todo la Escuela de Chicago en donde surge la arquitectura utilitaria y racionalista que en el s. XX dominará en todas partes. En 1871 un incendio destruyó una gran parte de la ciudad cuando ésta atravesaba un momento de gran crecimiento económico. Cuando se reconstruya la ciudad, la cons­trucción adquiere un gran impulso debido a la demanda de edificios que un centro económico tan importante requería (Chicago era importante centro económico y gran centro de industrias cárnicas). La especulación del suelo edificable obligó a buscar procedimientos que permitieran edificar en altura y ésto es lo que determinó el nacimiento del “rascacielos”, a base de estructuras metálicas que permitían superpo­ner muchos pisos aprovechando al máximo el solar. El constructor de los primeros “rascacielos” y al que puede considerarse como jefe de la Escuela de Chicago fue William Le Baron Jenney, pero la figura más representativa de la escuela es  Louis Henry Sullivan (3 de septiembre 1856 – 14 de abril 1924) fue un arquitecto estadounidense de la Escuela de Chicago (1870-1893). Formó sociedad con Dankmar Adler y comenzó una corriente que será la base de la arquitectura moderna. En su Auditorium Building, de Chicago, tiene su estudio y allí se empieza a gestar la talentosa carrera de Frank Lloyd Wright. Autor del Auditorio de Chicago.

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Auditorium Building, Chicago. Illinois. Louis Henry Sullivan

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El exterior de la Home Insurance Building por el arquitecto William Le Baron Jenney en Chicago, Illinois.

Muchísimos Edificios y Teatros de esta época, han sido objeto de abandono y ese “abandonismo”, vuelve a ser hoy un reclamo turístico y de interés para los estudiosos de esta Arquitectura. Como ejemplo, presento este clip sobre la decadencia de estos formidables edificios, en particular Teatros.

El ejemplo de esta arquitectura se extiende a otros países. En España aparece durante el reinado de Isabel II, en algunas obras de ingeniería hecha por extranjeros (Eiffel, por ejemplo), pero sus obras más interesantes son posteriores al 68: Estación de Atocha, Palacio de Cristal del Retiro (Madrid), mercados, etc.

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Puente de los tres ojos, Villa del Río. Córdoba. Gustave Eiffel.

Carlos Ramírez de Arellano del Rey

Mercado de San Miguel. Madrid. España.

Dos Arquitectos esenciales en la Arquitectura del Hierro y el Cristal en España: Ricardo Velázquez Bosco y Alberto de Palacio y Elissague.

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Palacio de Cristal. Parque del Retiro. Madrid. Ricardo Velázquez Bosco y Alberto de Palacio y Elissague.

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Glicinias con fondo el formidable puente transbordador de Portugalete, obra del Arquitecto e Ingeniero Alberto de Palacio y Elissague, conocido como el puente de Vizcaya o Puente Colgante, o Puente Palacio, auténtica y monumental “Puerta de Vizcaya”, en la desembocadura del río Nervión, entre las orillas de Portugalete y Guecho. Fue el primer puente de este tipo que se construyó en el mundo; Fotografía: Cortesía de Francisco Romero.

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El arquitecto burgalés Ricardo Velázquez Bosco. (1843-1923)

Ricardo Velázquez Bosco es sin duda uno de los Arquitectos de Madrid.

Practicó un historicismo eclecticista de corte academicista que le enfrentó al modernismo. Su estilo se denomina a veces “eclecticismo enfático”.

OBRA:

Palacio de Velázquez (1883), Obra conjunta con Alberto de Palacio como Ingeniero y Daniel Zuloaga como Ceramista.

El ministro de fomento encargó al arquitecto Ricardo Velázquez Bosco la construcción del pabellón central de la Exposición Nacional de Minería (1883) para la exhibición de las innovaciones tecnológicas de la industria minera, que dio como resultado el edificio que actualmente se conoce como Palacio de Velázquez.

Fue construido entre los años 1881 y 1883, siguiendo el modelo de Joseph Paxton para Crystal Palace de Londres. Formaron parte del equipo el ingeniero Alberto del Palacio y el ceramista Daniel Zuloaga, quien a través de la Real Fábrica de La Moncloa y con ayuda de su hermano Guillermo, se ocupó de la decoración del edificio, seña de identidad del mismo.

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Palacio de Velázquez (1883)

Palacio de Velazquez in Retiro Park in Madrid (Spain). Built in 1883.

Palacio de Velázquez (Actualidad)

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Palacio de Velázquez (Actualidad)

El Palacio de Velázquez se encuentra situado en el Parque del Retiro de Madrid (España). Fue construido entre los años 1881 y 1883 con motivo de la celebración de la Exposición Nacional de Minería llevada a cabo en la ciudad entre los meses de mayo y noviembre de 1883. El arquitecto Ricardo Velázquez Bosco, de quien toma el nombre el palacio, dirigió el proyecto entre los que participaron Alberto de Palacio, ingeniero, y Daniel Zuloaga, ceramista.

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Palacio de Velázquez

Se trata de un edificio cubierto con bóvedas de hierro acompañadas de cristal que permiten iluminar las salas naturalmente, y está inspirado en el Crystal Palace de Londres. Con unas dimensiones de 73,80 por 28,75 metros fue construido en ladrillos de dos tonos, así como con azulejos de la Real Fábrica de La Moncloa.

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Detalle

El edificio fue concebido para que una vez finalizada la exposición de 1883, pudiese albergar otra actividad en vez de derribarlo. En 1887 fue aprovechado para la Exposición de Filipinas que se celebró en el Retiro, y una vez finalizada la exposición, ese mismo año, el gobierno lo destinó a Museo de Ultramar. Actualmente pertenece al Ministerio de Cultura, y se encuentra dedicado a sala de exposiciones temporales del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía.

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Cerámicas Fachada (Detalle)

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Detalles grupos escultóricos del exterior.

Escuela de Ingenieros de Minas (1886-1893)

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Escuela de Minas. Foto : Lacoste, 1906-1914. (memoriademadrid.es)

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Foto : Márgara, 1917. (Fuente: memoriademadrid.es)

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Foto : Grafos, 1921-1933. (memoriademadrid.es)

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Escuela de Minas. Actualidad

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Fachada. Azulejos de Zuloaga.

Los detalles cerámicos y los espectaculares murales de las fachadas laterales con escenas dedicadas a la minería, metalurgia y ciencias físicas, son obra de Daniel Zuloaga realizados a partir de cartones del pintor Manuel Domínguez, el lado este, y del escultor Vicente Oms, el del lado oeste. En la decoración del edificio también participó el pintor ceramista Alfonso Romero.

Ver interior (Haz clic Aquí) o en la imagen. Luego podrás desplazarte por el interior y hacer una visita virtual.

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Visita Virtual

El edificio de planta rectangular que mide 48 x 33 metros está organizado alrededor de un patio central con dos pisos de arquerías sobre columnas de fundición y cubierto por un lucernario de vidrio y estructura metálica, restaurado en 2010, que proporciona luz cenital a todo el espacio.

Pabellón Estufa Exposición Filipinas (Palacio de Cristal) (1887)

El Palacio de Cristal del Retiro es una estructura de metal y cristal situado en el Parque del Retiro de Madrid (España). Fue construido en 1887 con motivo de la Exposición de las Islas Filipinas, celebrada ese mismo año.

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Palacio de Cristal. Parque del Retiro. Madrid. Ricardo Velázquez Bosco y Alberto de Palacio y Elissague.

En la actualidad en su interior se realizan exposiciones de arte contemporáneo.

Fue construido por Ricardo Velázquez Bosco, y su proyecto de construcción se inspiraba en el Crystal Palace, levantado en Londres en 1851 por Joseph Paxton. En España se levantó el Palacio de Cristal para la Exposición de las Islas Filipinas.

Su estructura es de metal, y está totalmente recubierto por planchas de cristal, de ahí su nombre. La decoración cerámica utilizada en pequeños frisos y remates es obra de Daniel Zuloaga; de ella destacan las figuras de grutescos con cabezas de ánades. La gran impresión que debió de causar el palacio queda reflejada en esta descripción, aparecida en El Globo, en 1887.

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Palacio de Cristal. Jardines del Retiro. Madrid

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Palacio de Cristal. Jardines del Retiro. Madrid

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Palacio de Cristal. Jardines del Retiro. Madrid

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Detalle del Palacio de Cristal con las decoraciones cerámicas en frisos y enjutas.

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Palacio de Cristal. Jardines del Retiro. Madrid

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Palacio de Cristal. Jardines del Retiro. Madrid

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Palacio de Cristal. Jardines del Retiro. Madrid

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Palacio de Cristal. Jardines del Retiro. Madrid. (interior)

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Interior Palacio de Cristal. Madrid.

Casa-Palacio del Conde de Gamazo (Actual edificio de la Societé Genérale) (1886-7)

El Palacio de Gamazo está en el nº 26 de la calle de Génova de Madrid (España), en el Distrito Centro. Fue Proyectado en 1886 por Ricardo Velázquez Bosco y construido en El último cuarto del siglo XIX de Como Para Casa-palacio El Conde de Gamazo. Hoy en día Alberga oficinas de Société Générale.

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Palacio de Gamazo en esquina.

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Palacio de Gamazo. Fachada.

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Fachada este del Palacio de Gamazo de Madrid (España).

Reforma del Casón del Buen Retiro (1887)

El Casón del Buen Retiro es uno de los dos únicos edificios que han sobrevivido a la destrucción del palacio del Buen Retiro, del que toma su nombre, en Madrid (España). Construido por Alonso Carbonell en 1637, fue diseñado inicialmente como un espacio para salón de baile de la Corte de Felipe IV.

Desde 1971 es uno de los edificios que conforman el Museo del Prado, y durante décadas ha albergado sus colecciones de pintura del siglo XIX (unos 3.000 cuadros), así como el Guernica, de Picasso. Esta célebre pintura se trasladó al Museo Reina Sofía en 1992, y el Casón, tras años de obras, se ha reabierto como Centro de Estudios del Museo en 2009, mientras que las colecciones del XIX se han reubicado en la sede principal del Prado gracias a la ampliación de Rafael Moneo.

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Vista de la fachada este del Casón del Buen Retiro desde los Jardines del Retiro.

En el siglo XIX, tras la destrucción del Buen Retiro, el Casón experimentó una ampliación y se le añadieron dos nuevas fachadas, de estilo neoclásico. Fueron diseñadas por el discreto arquitecto Mariano Carderera, pero la occidental hubo que rehacerla al derrumbarse tras un ciclón que asoló esa zona de Madrid y que causó, por ejemplo, también graves daños en el Real Jardín Botánico, en el que derribó 564 árboles. A causa del derrumbe Carderera fue apartado de la dirección de las obras del edificio, encargándose la nueva fachada al destacado arquitecto burgalés Ricardo Velázquez Bosco.

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La fachada oeste, obra del arquitecto Ricardo Velázquez Bosco.

Ministerio de Fomento (Proyectos anteriores de M. Belmás para Escuela de Artes y Oficios en 1882 y de E, Saavedra para Facultad de Ciencias en 1886) Entre 1891 y 1897.

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Antiguo Edificio del Ministerio de Fomento.