Museo Arqueológico de Estambul (Exteriores y Arqueología Clásica) Parte I.

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Medusa başlı madalyon kabartması.

Algo de historia y breve descripción

Es viernes 6 de noviembre de 2015, el día es gris y fresco, todo huele a MAR entre las callejas que bordean los muros del palacio Topkapi y el Parque Gülhane y que nos llevan veladamente a uno de los más importantes museos del mundo en su género.

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Café en Gülhane

El Museo Arqueológico de Estambul fue fundado por el polifacético Osman Hamdi Bey (1881-1910), arqueólogo, pintor, matemático, director del museo y aquel que tuvo la inmensa suerte de hallar el más impresionante conjunto de sarcófagos antiguos en la Necrópolis real de Sidón, actual Líbano, que se constituyen en las joyas más preciadas de la colección, en 1891. El objetivo del fundador fue reunir artefactos de todas las civilizaciones que co-existieron dentro del Imperio otomano. El nombre original de este museo era Museo Imperial (Müze-i Hümayun).

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Puerta de entrada (Tickets)

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Osman Hamdi Bey (1881-1910)

Osman Hamdi Bey (1881-1910) Para conocer con algo más de profundidad la personalidad de Osman Hamdi Bey, puede visitarse este artículo que firma Ana Morales (Haz clic)

Los orígenes del museo se remontan a una reducida colección de antigüedades que se instaló en 1846 en el Palacio Topkapi. En 1869 se convirtió en el museo de la corte.

Es en 1891, cuando el Museo Arqueológico abrió sus puertas convirtiéndose en el primer museo de Turquía.

Colección

La colección del museo está repartida en tres edificios, aunque cabría destacar (desde mi humilde punto de vista) que tanto las calles y solares de los aledaños como los patios interiores del complejo, pudieran considerarse como otra parte expuesta sin catalogación aparente.

  • Museos Arqueológicos
  • Colección de Arte Oriental (Museo del Antiguo Oriente)
  • Colección de cerámicas y joyas
  • Exteriores

En esta entrada, nos centraremos en los patios exteriores y en el Museo Arqueológico (Arqueología Clásica) dejando para una segunda parte, la Colección de Arte Oriental (Museo del Antiguo Oriente) y la Colección de cerámicas y joyas.

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Comencemos por los patios y jardines: Sarcófagos, torsos, cabezas, columnas…

Tanto en las calles aledañas como en los patios del complejo, nos encontramos una ingente cantidad de “obra” que, en cualquier otro país o museo, serían obras de primerísimo orden.

Aquí una muestra sin clasificar.

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Esta gran piedra clave que se encontró en Çemberlitaş puede pertenecer a un gran arco en el Foro de Constantino.

Cabeza de Medusa. En la mitología griega, Medusa (en griego antiguo Μέδουσα Médousa, ‘guardiana’, ‘protectora’) ​ era un monstruo ctónico femenino, que convertía en piedra a aquellos que la miraban fijamente a los ojos. Fue decapitada por Perseo, quien después usó su cabeza como arma​ hasta que se la dio a la diosa Atenea para que la pusiera en su escudo, la égida. Desde la antigüedad clásica, la imagen de la cabeza de Medusa aparece representada en el artilugio que aleja el mal conocido como Gorgoneion.

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Tres sarcófagos de pórfido.

Tres sarcófagos de pórfido se encuentran ubicados fuera del Museo Arqueológico de Estambul.
El pórfido es un tipo de roca ígnea, más concretamente una roca filoniana. Su nombre se deriva del latín (porphyra) y el griego antiguo πορφύρα (porphúra), que significan ‘púrpura’, debido a su color. El pórfido ha sido utilizado en la construcción desde la antigüedad por su dureza y aspecto decorativo.

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En éste, la cubierta es un techo inclinado con acroteria angular, en cuyo frente la cruz está tallada con un monograma cristiano incluido en una corona de laurel y flanqueado por letras alfa y omega.
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Las colecciones del Museo Arqueológico de Estambul:

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El edifico principal del Museo Arqueológico, de estilo neoclásico, fue diseñado por Alexandre Vallaury (Alexander Vallaury pasó su tiempo entre 1869 y 1878 en París, donde estudió arquitectura en la École nationale supérieure des Beaux-Arts . Al regresar a Estambul en 1880, conoció a Osman Hamdi Bey. Los dos artistas trabajaron estrechamente en los campos de la arqueología, el trabajo museístico y la educación en bellas artes…)

El edificio principal del Museo Arqueológico de Estambul, además de su gran sección de sarcófagos alberga en tres plantas colecciones del periodo bizantino, que denominan “Estambul a lo largo del tiempo”. Comparten espacio también Anatolia y Troya mas culturas adyacentes a Turquía (Chipre, Siria y Palestina). Alberga algunos objetos mundialmente conocidos. Lo más importante del museo es la gran colección de sarcófagos, entre los que destacamos el Sarcófago de Alejandro (S. IV) y el de Las plañideras. Cabe igualmente destacar entre otras innumerables obras, la estatua de Marsias, la estatua y busto de Alejandro Magno, Sapho…y una buena colección de Tracia, Bitinia y Bizancio, y algunas piezas del tesoro de Schliemann, procedentes de Troya.

Muy notable es sin duda la colección de escultura clásica que va de los tiempos de la Grecia Arcaica, hasta los del periodo romano, pasando por el más puro clasicismo griego y el afectado estilo helenístico.

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Periodo helenístico

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Detalle de Cornelia Antonia -Pudicita-; Siglo II. dC.

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Marsias

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Marsias (Detalle)

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Marsias y Hermafrodito

En la mitología griega, Marsias (en griego antiguo Μαρσύας) es un sátiro que desafió a Apolo en un concurso musical. Se creía que había nacido en Celenas (Frigia), en la fuente principal del río Meandro. Marsias era un experto tocando el aulós, una especie de flauta doble. Había hallado el instrumento en el suelo, donde lo había dejado su inventora: Atenea, después de ver sus mejillas infladas reflejadas en él mientras tocaba.

Apolo y Marsias se enfrentaron en un concurso musical en el que el ganador podría tratar al perdedor como quisiera. Los jueces fueron las Musas, por lo que naturalmente Marsias perdió y fue desollado vivo en una cueva cerca de Celenas por su hibris al desafiar a un dios. Apolo clavó entonces la piel de Marsias en un árbol (un pino que sobresalía de los demás en la versión del Pseudo-Apolodoro1​), cerca del lago Aulocrene, y su sangre formó el río Marsias (afluente del Meandro, que desemboca en éste cerca de Celenas).

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Hermaphroditus. Siglo 3 aC, de Pérgamo.

Hermafrodito o Hermafrodita (en griego antiguo, Ἑρμαφρόδιτος) es un personaje de la mitología griega. Era hijo de Afrodita y de Hermes, en honor de los cuales recibió el nombre, una mezcla de los de sus padres. Pero Afrodita, al sentirse culpable de adulterio, se separó de su hijo y lo dejó en el monte Ida (Frigia) al cuidado de las ninfas del monte, por quienes fue criado.

Con el paso del tiempo, el niño se convirtió en un joven de gran belleza. Un buen día, Hermafrodito decidió salir a recorrer las tierras griegas. Yendo de camino a Caria, en Halicarnaso, el exceso de calor de aquel día soleado le hizo aproximarse a un lago para refrescarse, y se lanzó a nadar desnudo. La náyade Salmacis —o Salmácide—, espíritu de aquel lago, al notar su presencia y observar su cuerpo desnudo, sintió una atracción inmediata hacia él y no tardó en desnudarse y acercársele para tratar de conquistarlo, pero el joven se resistió.

Aun así, la ninfa no cejó en su empeño y, poco después, desde la fuente cercana a la que Hermafrodito se había acercado, Salmacis se abrazó a él fuertemente, lo arrastró al fondo y, mientras forcejeaba con él, suplicó a los dioses que no separaran sus cuerpos, diciendo: ¡Te debates en vano, hombre cruel! ¡Dioses! Haced que nada pueda jamás separarlo de mí ni separarme de él”. Los dioses, atendiendo su súplica, le concedieron su deseo y ambos cuerpos se fusionaron para siempre en un solo ser, de doble sexo.

Hermafrodito suplicó a sus padres, los dioses, que cualquier joven que se bañara en aquel lago corriera su misma suerte. De esta forma, el lago arrebataría la virilidad a todo aquel que se bañara en él, tal como así se lo concedieron los dioses.

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Apolo y la Cítara.

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Apolo y la Cítara. (Cabeza de Apolo, Detalle)

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Dionisio

En la mitología clásica, Dioniso (en griego antiguo Διώνυσος Diônysos o Διόνυσος) es “hijo de Zeus” (“Διός” en griego antiguo, es el genitivo de Ζεύς, que significa “de Zeus”) y (“νυσος” en lengua tracia-frigia, significa “hijo”),​ es el dios de la vendimia y el vino, inspirador de la locura ritual y el éxtasis, y un personaje importante de la mitología griega, como hijo del dios principal Zeus (Ζεύς en griego antiguo). Aunque los orígenes geográficos de su culto son desconocidos, casi todas las tragedias lo presentan como «extranjero».

Fue también conocido por los romanos como Baco (del griego antiguo Βάκχος Bakkhos) y el frenesí que inducía, bakcheia. Es el dios patrón de la agricultura y el teatro. También es conocido como el ‘Libertador’ (Eleuterio), liberando a uno de su ser normal, mediante la locura, el éxtasis o el vino. ​ La misión divina de Dioniso era mezclar la música del aulós y dar final al cuidado y la preocupación. ​ Los investigadores han discutido la relación de Dioniso con el «culto de las almas» y su capacidad para presidir la comunicación entre los vivos y los muertos.

Cabeza de Agripina

Cabeza de Agripina

Cabeza Diocleciano

Cabeza Diocleciano

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Cabeza de mujer. 69-96_d.C. Áptera, Creta

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Coephora

Cabeza de Hermes

Cabeza de Hermes

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Statue of Zeus, Istanbul Archaelogy Museum

Zeus

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Cabeza de Alejandro Magno, mármol, Pérgamo, helenístico, 1ª mitad del siglo II aC.

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Alejandro Magno

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Cabeza de la poetisa Sappho, Escultura de época romana, Museo de Arqueología de Estambul. Mármol de Smyrna.

Safo de Mitilene, también conocida como Safo de Lesbos o simplemente Safo, (en griego, Σαπφώ; en eolio, Ψάπφω) (Mitilene, Lesbos, ca. 650/610 – Léucade, 580 a. C.) fue una poetisa griega. Más tarde los comentaristas griegos la incluyeron en la lista de los «nueve poetas líricos». Platón la catalogó como “la décima Musa”.

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Efebo con clámide. Da Tralles. Secolo I aC.

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Efebo con clámide. Da Tralles. Secolo I aC.

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Oceanus de Éfeso, siglo II D.C.

En la antigüedad clásica, Océano (en griego antiguo Ώκεανός Ōkeanós u Ωγενος Ōgenos, literalmente ‘océano’​ en latín Oceanus u Ogenus) se refería al océano mundial, que los griegos y romanos pensaban que era un enorme río que circundaba el mundo. Más precisamente, era la corriente de agua marina del ecuador en la que flotaba la ecúmene (οἰκουμένη oikoumene, conjunto del mundo conocido por una cultura).

En la mitología griega este océano mundial era personificado como un Titán, hijo de Urano y Gea. En los mosaicos helenísticos y romanos (por ejemplo, en Océano y Tetis, de Zeugma, siglo III) se representa con frecuencia a este Titán con el torso y brazos de un hombre musculoso con barba larga y cuernos (a menudo con pinzas de cangrejo), y con la parte inferior del cuerpo de una serpiente (compárese con Tifón). En fragmentos de una vasija arcaica fechada sobre 580 a. C.,4​ entre los dioses que acuden a la boda de Peleo y la ninfa marina Tetis aparece un Océano con cola de pez, llevando un pez en una mano y una serpiente en la otra, dones de recompensa y profecía. En los mosaicos romanos, como el de Bardo, puede aparecer llevando un timón y meciendo un barco.

Algunos estudiosos creen que originalmente Océano representaba a todos los cuerpos de agua salada, incluyendo el mar Mediterráneo y el océano Atlántico, las dos mayores masas acuáticas conocidas por los antiguos griegos. Sin embargo, a medida que la geografía se hizo más precisa, Océano pasó a representar las aguas más desconocidas y extrañas del Atlántico (también llamado «Mar Océano»), mientras el recién llegado de una nueva generación, Poseidón, gobernaba el Mediterráneo.

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Detalle Sarcófago de Alejandro

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Sarcófago de Alejandro

Se trata de una obra escultórica exenta realizada en mármol del Pentélico que todavía conserva restos de policromía, mide casi dos metros veinte de anchura y más de un metro noventa de altura. La obra dataría del siglo IV a.C. encuadrándose en el periodo helenístico de la cultura griego.

La pieza procede de la necrópolis de Sidón, junto con otros tres de factura parecida, pero de inferior calidad. El hallazgo, como ya hemos mencionado es producto de las excavaciones llevadas a cabo por Osman Hamdi Bey en 1887. Tras su hallazgo, F. Winter lo atribuyó a Abdalónimo, rey de Sidón. Se trataba de un monarca impuesto por Alejandro tras la batalla de Issos. Posteriormente, en la segunda década del siglo XX, esta hipótesis fue revisada y Karl Schefold demostró, más allá de cualquier duda razonable que este sarcófago se esculpió mucho después 311, año de la muerte del rey de Sidón mencionado. Su ejecución bien pudo ser hacia el 330, fecha que coincidiría con la muerte del monarca macedonio. Pero nada se sabe con seguridad.

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Al igual que el resto de la escultura helenística, los artefactos funerarios adquirieron durante esta época cierto carácter arquitectónico que las configuraba como elementos monumentales, así es común que los sarcófagos como este que aquí analizamos adquieran las formas de los templos con la tapa a modo de tejado. La obra, tallada en mármol representa un templo griego, con un magnifico frontón. En una de sus caras, se puede observar al propio Alejandro en la famosa batalla de Issos, cuando derrotó a Darío III. El rey macedonio va a caballo, con una piel de león en la cabeza; está atacando con una lanza a un persa que ha caído del caballo. En la otra cara nos encontramos con una cacería de leones en la que se ve a Alejandro junto a Abdalónimo; finalmente, en los laterales se observa al mismo Abdalónimo cazando una pantera y en el otro lateral una batalla desconocida, quizás Gaza.

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Sarcófago de las plañideras

No cabe duda de que el estilo praxitélico tiñó el ámbito ateniense de su época: las obras que lo ostentan, aun sin poder ser atribuidas con seguridad al maestro o a su taller, alcanzan en ocasiones un nivel que impide pasarlas por alto: es el caso, por ejemplo, del Sarcófago de las Plañideras, encargado por un monarca fenicio de Sidón y encontrado en su lejana necrópolis. “Es verosímil que el Sarcófago de las Plañideras sea el del rey sidonio Estratón, muerto hacia el 358, y que las mujeres dispuestas en los intercolumnios de un edificio jónico simulado representen el numeroso harén del difunto. Hábilmente variadas, pero con un estilo convencional que se inspira en modelos áticos, estas figuras no están unidas por un ritmo capaz de darles vida” (J. Charbonneaux).

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Sarcófago de Hipólito y Fedra

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Sarcófago de Sidamara.

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Resumen en forma de Clip

Aquí presento en forma de clip un resumen de lo expuesto anteriormente. Nota: Ver en HD.

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Georg Friedrich Händel/Lascia ch’io pianga

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Retrato de Händel, por Balthassar Denner (1727), Museo de Londres

Lascia ch’io pianga es un aria para soprano por Georg Friedrich Händel. La melodía para la canción comenzó como una sarabanda en la ópera Almira, de 1705. Como un aria fue usada por primera vez en 1708 en el oratorio Il trionfo del Tempo e del Disinganno, con un texto distinto y bajo el nombre «Lascia la spina, cogli la rosa». Händel luego modificó su trabajo para el acto II de su ópera de 1711, Rinaldo, donde se la dio al personaje Almirena (interpretada por primera vez por Isabella Girardeau). Rinaldo fue un gran éxito y es con esta ópera con la que el aria es asociada por lo general. La pieza ha sido interpretada por varios cantantes, entre ellos Sissel, Sarah Brightman, Malena Ernman, Cecilia Bartoli, Philippe Jaroussky y José Carreras. También aparece en numerosas películas, entre las que se incluyen FarinelliAll Things FairL.I.E., Antichrist

Partitura

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El libreto fue escrito por Giacomo Rossi.

Lascia ch’io pianga
mia cruda sorte,
e che sospiri
la libertà;
e che sospiri…
e che sospiri…
la libertà.Il duolo infranga
queste ritorte
de’ miei martiri
sol per pietà;
de’ miei martiri
sol per pietà.
Deja que llore
mi cruel suerte,
y que suspire
por la libertad;
y que suspire…
y que suspire…
por la libertad.El dolor infringe
este sesgo
de mi martirio
sólo por piedad;
de mi martirio
sólo por piedad.

En esta entrada, propongo tres versiones, la primera de ella interpretada por Sarah Brightman, en un clip editado por quien les escribe, Gian Lorenzo Bernini: Escultura Barroca Italiana, una segunda correspondiente a la que nos ofrece la película Farinelli y la otra con tintes jazzísticos de Paolo Fresu. Como siempre, espero sea de vuestro agrado.

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Sarah Brightman (Hertfordshire, Inglaterra, 14 de agosto de 1960) es una soprano, actriz, bailarina y directora de orquesta inglesa que interpreta música del género denominado Classical Crossover.

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Farinelli es una película biográfica sobre la vida y la carrera del cantante de ópera italiano Carlo Broschi, conocido como Farinelli, considerado uno de los cantantes castrato más famoso de todos los tiempos. Está protagonizada por Stefano Dionisi, como Farinelli y fue conducida por el director belga Gérard Corbiau. La voz de Dionisi interpretando a Farinelli, fue obtenida mediante la mezcla digital de las voces de Ewa Malas-Godlewska, una soprano de origen polaco, y Derek Lee Ragin un contratenor estadounidense, con el objetivo de recrear una voz auténtica de castrato.

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Paolo Fresu (Berchidda, 10 de febrero de 1961) es un trompetista y fiscornista italiano.

Docente y responsable de diversas actividades nacionales e internacionales, ha tocado en cada continente y con los nombres más importantes de la música afroamericana de los últimos 30 años. Ha registrado más de trescientos cincuenta discos de los cuales más de ochenta con su propio nombre o en leadership y otros con colaboraciones internacionales (etiquetas francesas, alemanas, japonesas, españolas, holandesas, suizas, canadienses, griegas) a menudo trabajando con proyectos ‘mixtos’ como Jazz-Música étnica, World Music, Música Contemporánea, Música Ligera, Música Antigua, etc.. colaborando entre otros con M. Nyman, E. Parker, Farafina, O. Vanoni, Alice, T. Gurtu, G. Schüller, Negramaro, Stadio, etc. Muchas de sus producciones discográficas han obtenido prestigiosos premios en Italia y en el extranjero. En el 2010 ha abierto su etiqueta discográfica Tŭk Music. Dirige el Festival ‘Time in jazz’ de Berchidda, es director artístico y docente de los Seminarios de jazz de Nuoro y ha dirigido el festival internacional de Bergamo. Ha actuado como invitado con Gran Orquesta Italiana, la ONJ, Orquesta nacional de jazz francesa, la NDR – Orquesta de la Radio alemana de Hamburgo, la PJMO del Auditorio /Parco de la Música de Roma, la Orquesta Sinfónica de la RAI, la Orquesta de la Arena de Verona, Los Virtuosos Italianos y otras.

Ha coordinado, además, numerosos proyectos multimedia colaborando con actores, bailarines, pintores, escultores, poetas, etc. y escribiendo música para películas, documentales, vídeos o para el Ballet o el Teatro.

Hoy está activo con muchos proyectos e interpreta más de doscientos conciertos al año por todo el globo. Vive entre Bolonia, París y Cerdeña.

La Mujer y el Mito en Dante Gabriel Rossetti.

Autorretrato

Autorretrato

William Holman Hunt: Retrato de Dante Gabriel Rossetti (1853).

William Holman Hunt: Retrato de Dante Gabriel Rossetti (1853).

El dualismo literario/plástico, como signo y rasgo esencial en el arte de del siglo XX, aparece de manera nítida reflejado en la obra del poeta y pintor prerrafaelista Dante Gabriel Rossetti (1828-1882).

Rossetti estaba convencido de que existía una belleza de la carne y una belleza del espíritu y a lo largo de su vida y su obra, anheló siempre una fusión de ambas.

Esta dualidad se presenta en su obra plástica en dos épocas. En la primera de ellas se nos ofrece coherente con el espíritu inicial de la doctrina pictórica que dicta la Hermandad Prerrafaelista, evocando en su obra a la pureza, la inocencia y la virginidad femenina, esto puede observarse en obras como Ecce Ancilla Domini, de 1850.

Dante Gabriel Rossetti (1828–1882). Ecce Ancilla Domini!, 1850. Óleo sobre lienzo. 73 × 41.9 cm, Tate Britain, Londres.

Dante Gabriel Rossetti (1828–1882). Ecce Ancilla Domini!, 1850. Óleo sobre lienzo. 73 × 41.9 cm, Tate Britain, Londres.

En una segunda etapa (unos diez años más tarde), bajo la influencia del Cinqueccento Veneciano (especialmente influido por Veronés, a quien admirara en París) y dominado, tanto estética como emocionalmente, por la personalidad y relación con algunas modelos, realizará una serie de sensuales retratos de ellas que serán el inicio de lo que bien se puede calificar de “culto rossettiano” a la belleza femenina. En efecto, a partir de 1860, el tema de la mujer -motivo por el sobre el que obsesivamente se centra casi todo el “corpus” de su obra- será prácticamente el único que cautivará el pintor, alejándose de los principios originales del Prerrafaelismo, para entregarse a la representación de imágenes como Bocca baciata de 1859, con la que puede decirse inaugura una nueva fase iconográfica de la figura femenina, contrapunto de aquella Beatriz anterior, esposa mística y celestial de Dante, a la que él había dedicado su atención en una primera época.

Dante Gabriel Rossetti, "Bocca Baciata" (1859), Bostom Museum of Fine Arts.

Dante Gabriel Rossetti, “Bocca Baciata” (1859), Bostom Museum of Fine Arts.

La imagen corresponde a Fanny Cornforth, tal vez una prostituta, que durante diez años fue la principal modelo y también amante del pintor. Al fondo, y a la altura de la cabeza, aparecen unas caléndulas, lo que, en el lenguaje de las flores –muy significativo para Rossetti- simboliza dolor y remordimiento. La manzana en el ángulo inferior derecho del cuadro puede hacer alusión a la tentación. Condenada cuando fue expuesta por <<vulgar>> y <<sensual>>, este nuevo tipo de mujer, de poderoso y ancho cuello, labios curvados y abundante cabellera, comunica una impresión de morbosa voluptuosidad.

En esta nueva etapa que inicia Rossetti, la “mujer fatal” no ha alcanzado su “letal” madurez, pero el camino ya está trazado. Y éste se acentuará en la segunda mitad de la década de los años 1860 bajo la influencia de los personajes femeninos de “Poems and Ballads” (1866) de su amigo el poeta Swinburne con quién le unirá una estrecha amistad. Entre ambos artistas hubo mucha influencia que todos los estudiosos han puesto de relieve. Un claro ejemplo de ello lo encontramos en el cuadro “Lady Lilith” (186468) para el cual Swinburne tuvo grandes elogios. Amalgama de la Lilith del Fausto de Goethe y de la “Belle Dame sans Merci de Keats”, este personaje es para Rossetti la “femme fatale” moderna, aunque él nunca utilizó este término.

Lady Lilith (c. 1866-68), Dante Gabriel Rossetti. Óleo sobre lienzo, 96,5 x 85,1 cm, Museo de Arte de Delaware. Iniciado en 1864 con Fanny Cornforth como el modelo, y se terminó en 1868. Posteriormente la alteró para mostrar el rostro de otra de sus musas preferidas, Alexa Wilding, la única con quien no mantuvo una relación sentimental. en Kelmscott 1872-3 con el rostro de Alexa Wilding.

Lady Lilith (c. 1866-68), Dante Gabriel Rossetti. Óleo sobre lienzo, 96,5 x 85,1 cm, Museo de Arte de Delaware. Iniciado en 1864 con Fanny Cornforth como el modelo, y se terminó en 1868. Posteriormente la alteró para mostrar el rostro de otra de sus musas preferidas, Alexa Wilding, la única con quien no mantuvo una relación sentimental. en Kelmscott 1872-3 con el rostro de Alexa Wilding.

“Lilith fue la primera esposa de Adán y, en el arte, se la asocia con la seducción de los hombres y el asesinato de niños. En la obra de Rossetti, Lilith es representada como una tentación malvada y poderosa.” Para una mejor descripción del mito hebreo de Lilith, puede consultarse Las Hijas de Lilith de Erika Bornay, o los Mitos Hebreos de Robert Graves.”

Rossetti, también se sintió atraído por la figura y mito de Venus, a la que evocaría en su obra “Venus Verticordia”, realizado entre 1864 y 1868 que iba a turbar extrañamente al crítico de arte y sociólogo británico de la época John Ruskin, en él el pintor crea una figura sincrética de Eva, con el afán de “conciliar” ambos personajes.

Dante Gabriel Rossetti, Venus Verticordia. 1866. Óleo sobre lienzo, 98 x 70 cm. Russell Cotes Art Gallery and Museum, Bournemouth.

Dante Gabriel Rossetti, Venus Verticordia. 1866. Óleo sobre lienzo, 98 x 70 cm. Russell Cotes Art Gallery and Museum, Bournemouth.

Rossetti, siempre tan cuidadoso con las convenciones victorianas en cuanto a la representación del desnudo se refiere, pinta en esta ocasión a una Venus con el pecho parcialmente descubierto, que parece emerger, no de la espuma del mar, sino de entre las flores del Paraíso; las de la parte inferior son madreselvas, y las de la superior rosas, y tanto unas como otra tienen un significado erótico para él, quien en su obra constantemente acudirá al simbolismo de las flores. El rostro de la figura pertenece al de Alexa Wilding (aludida anteriormente), aunque esta identificación no es relevante, pues al margen de los rasgos de la modelo, Rossetti someterá siempre su fisonomía a un arquetipo ideal de belleza ya descrito con anterioridad (labios abultados y curvados, cuello poderoso, abundante cabellera) imprimiendo una expresión lejana, inaccesible, grave y, a veces, misteriosa. Respecto a la cabellera, simboliza como simboliza para Baudelaire, la sensualidad femenina, la fuerza primigenia.

En este óleo, Venus tiene una mano la manzana que, aunque pudiera tratarse de la manzana de la Diosa de la Discordia en El Juicio de Paris, el hecho de que sea ella, Afrodita, quien la sostiene en un gesto que se diría de ofrecimiento, hace recordar a Eva y a su fruto tentador. En la otra mano sujeta un dardo con el que herir el corazón de los hombres.

En esta forma tan singular de desarrollar el tema venusino hemos de ver, de nuevo, la influencia de Swinburne, no olvidemos que son peculiares los contrastes entre temas paganos, clásico y cristianos y que aparecen con frecuencia en la poesía de Swinburne.

Dante Gabriel Rossetti, Pandora (1874-78), Óleo sobre lienzo, 97x64,8 cm. Lady Lever Art Gallery.

Dante Gabriel Rossetti, Pandora (1874-78), Óleo sobre lienzo, 97×64,8 cm. Lady Lever Art Gallery.

En coherencia con la interpretación que realiza de Venus, Rossetti también hará una mujer fatal de Pandora. Como Eva en el cristianismo, Pandora fue la primera mujer de la mitología clásica, y es del todo esclarecedor que Zeus ordene su creación para vengarse de los hombres. Ambos personajes tienen en común la curiosidad: si Eva quiso probar la manzana del árbol prohibido, Pandora quiso saber lo que contenía la caja que le habían entregado. Asimismo, ambas traerán el infortunio a los hombres.

Aunque existen varias versiones de este mito, la más común es la que relata que el padre de los dioses, indignado por el engaño de Prometeo, que había creado a los mortales y robado el fuego del Olimpo, temeroso del poder que estaban adquiriendo los hombres, decide castigarlos. A tal fin, piensa en una figura de mujer a imagen de las diosas, cuya creación encarga a Hefesto. Una vez creada, Afrodita le da su belleza y encantos; Atenea, un hermoso vestido con el que cubrirse y Hermes pone en su corazón la maldad y la falacia. Tan pronto Zeus le da la vida, le entrega una caja cerrada que contiene todos los males y miserias, con los que piensa vengarse de los hombres, y envía a Pandora, como regalo a Epimeteo, el hermano de Prometeo, al que éste le había hecho prometer no aceptar ningún regalo de Zeus, pero Epimeteo, deslumbrado por la belleza de Pandora, olvida sus promesas y la desposa. Finalmente, la funesta Pandora abre la caja y esparce el infortunio sobre la Humanidad, excepto la esperanza, que quedará dentro de ella. Observamos, de nuevo, la gran similitud entre el destino de Eva y el de Pandora, y cómo se comprende el paralelismo que en tantas ocasiones se ha establecido entre ellas.

Rosseti había realizado ya otra Pandora en 1869, cuyo rostro es el de Jane Morris, quien como hemos apuntado anteriormente, fue su amante y modelo por algún tiempo.

Dante Gabriel Rossetti (1828–1882), Pandora, 1869. Óleo sobre lienzo, 131 × 79 cm. Retrato de Jane Morris. Colección Privada.

Dante Gabriel Rossetti (1828–1882), Pandora, 1869. Óleo sobre lienzo, 131 × 79 cm. Retrato de Jane Morris. Colección Privada.

Astarté, también conocida como Isthar, es una de las diosas más relevantes de la mitología asirio-babilónica y de la que tomo muchos de sus resgos la Afrodita griega. Cruel diosa de la fertilidad, pero también de la guerra, el amor y el placer, era irritable y violenta. La prostitución sagrada fue parte integrante del culto a Astarté, quien tuvo innumerables amantes a los que sólo retenía durante una hora, tiempo suficiente sin embargo, para envilecer a los hombres con su funesto amor.

La Astarté Syriaca de Rossetti, realizada en 1877, se inspira de nuevo en el rostro de Jane Morris, quien aparece frontalmente y flanqueada por los alados y simétricos guardianes, que sostienen unas antorchas. Astarté coloca sus manos, de sinuoso dibujo, a la manera de una Venus púdica. La abertura con luz, al fondo, y la necesidad de alumbrarse con antorchas indica que Astarté se encuentra en los reinos subterráneos del mal.

Dante Gabriel Rossetti (1828–1882). Astarte Syriaca, (1877). Óleo sobre lienzo, 182,8 × 106,7 cm. Manchester Art Gallery.

Dante Gabriel Rossetti (1828–1882). Astarte Syriaca, (1877). Óleo sobre lienzo, 182,8 × 106,7 cm. Manchester Art Gallery.

Proserpina es el nombre que los romanos dieron a la diosa de los infiernos , la griega Perséfone, que fue raptada por Hades, rey del mundo subterráneo y de los muertos. Deméter, madre de Perséfone, suplicó a Zeus, su padre, que su hija regresara a la tierra, a lo que él accedió con la condición de que Perséfone no hubiera comido ninguno de los frutos del mundo de las tinieblas. Se demostró, sin embargo, que Perséfone había comido un grano de una granada y eso la condenó definitivamente a su nuevo imperio y destino, aunque permitiéndosele pasar una parte del año entre los vivos. Es interesante observar de nuevo el paralelismo entre la diosa de la antigüedad pagana, que desobedece y come del fruto prohibido, con Eva y la manzana.

Dante Gabriel Rossetti (1828–1882), Proserpina, (1873-77).Óleo sobre lienzo, 125.1x61 cm. Tate Britain, Londres.

Dante Gabriel Rossetti (1828–1882), Proserpina, (1873-77).Óleo sobre lienzo, 125.1×61 cm. Tate Britain, Londres.

Rossetti, teniendo una vez más a la esposa de Williams Norris como modelo, pinta a Proserpina en su mundo de tinieblas, por lo que, como Astarté Syriaca, que también tiene relación con los infiernos, aparece en un espacio oscuro y estrecho, sólo iluminado momentáneamente por lo que presumiblemente es la luz exterior, que se proyecta de forma cuadrangular en la pared del fondo, iluminando la cabeza de la tristemente pensativa Proserpina, que sostiene entre sus manos la granada que le fuera prohibido comer y por la que se ve recluida bajo tierra.

Imagen que simboliza lo desconocido, las tinieblas, lo terrible, evocado una vez más mediante el recurso de la imagen de una mujer.

Como ha quedado latente a lo largo de este comentario, Dante Gabriel Rossetti fue un seductor impenitente, provocador, bohemio,… sus modelos fueron, a la vez, amantes, especialmente, aquellas que, como Annie Miller, Fanny Cornforth o Jane Burden (Jane Morris), la esposa de su amigo William Morris, posaban de forma asidua para él. Sin embargo, de entre todas las modelos fue su esposa Elizabeth Siddal -quien lo dejó marcado por su tormentosa relación-, la mujer que marcó definitivamente su vida. Mujer de salud delicada y tendencias depresivas, Elizabeth sería inmortalizada tras su suicidio en la inquietante “Beata Beatrix”, obra maestra de Rossetti y un fascinante ejemplo del uso de la simbología botánica en el arte. Elizabeth Eleanor Siddal y que hoy puede ser considerada como la “musa rossettiana” por excelencia.

Elizabeth Eleanor Siddal (1829-1862) conoció a los prerrafaelistas en 1849. Fue entonces cuando dejó su trabajo como ayudante en una sombrerería y pasó a ser la modelo preferida de, entre otros, Holman Hunt, Millais y, por supuesto, Rossetti, con quien se casaría en 1860.

Dante Gabriel Rossetti (1828–1882); Beata Beatrix, (1864). Óleo sobre lienzo,86,4x66 cm. Tate Britain, Londres.

Dante Gabriel Rossetti (1828–1882); Beata Beatrix, (1864). Óleo sobre lienzo,86,4×66 cm. Tate Britain, Londres.

Por desgracia para Elizabeth, su matrimonio no fue precisamente feliz. Y es que, su marido no sólo le fue infiel en repetidas ocasiones sino que, además, no la cuidó debidamente. Como consecuencia de ésto, su salud, ya de por sí delicada, se fue deteriorando poco a poco hasta que, finalmente, en 1861, sufrió un aborto espontáneo. Este hecho la sumió en una profunda depresión, que la condujo al suicidio en 1862. Presa de los remordimientos, y no mucho tiempo después del fallecimiento de su esposa (concretamente, c. 1863-1864), Rossetti comenzó a pintar la que puede considerarse su obra maestra: la fascinante Beata Beatrix . Un cuadro, que terminaría en 1870, con el que inmortalizaría a “Lizzie” (como era llamada n círculos íntimos), de cuya muerte siempre se sentiría culpable.

Inspirado en la Vita nuova, obra de Dante en la que éste se lamenta por la pérdida de su amada, Beata Beatrix representa, en realidad, a Elizabeth Siddal, a la que Rossetti identifica con Beatrice Portinari, en el instante de su muerte. Ataviada de rojo y verde (los colores de la vestimenta de Beatrice en el Paraíso, según la Divina Comedia), Lizzie, cuya ambigua expresión tiene tanto de mística como de orgásmica, es contemplada desde el fondo del lienzo por dos figuras enfrentadas que, alzándose delante del Ponte Vecchio (no olvidemos que, en teoría, la escena de este cuadro se desarrolla en Florencia), se corresponden respectivamente con: Dante (“es decir, el propio Rossetti”), que viste de oscuro y la personificación del amor, la cual, además de llevar una larga túnica roja, aparece rodeada por un halo y con una llama en la mano izquierda.

Beata Beatrix es una obra plena de simbolismo. Así, aunque en principio pueda creerse que el reloj de sol (dorado, como el astro que lo dirige) está ahí para indicar la hora del fallecimiento de Beatrice (las nueve), la verdadera finalidad del mismo es anunciar el suicidio de Elizabeth y proclamar la inexorabilidad del tiempo. En cuanto al siniestro pájaro rojo que lleva en el pico una flor blanca de adormidera, el mensaje directo de la amapola que esta paloma parece dejar caer sobre las manos de Elisabeth es, sin duda, el de la muerte (traída por el opio), éste es en realidad un “mensajero de la muerte” (Rossetti dixit) que entrega a Lizzie la fuente del preparado con el que se quitaría la vida: el láudano, que aunque en principio se usó para calmar cualquier tipo de dolor y también, para tratar la ansiedad y el insomnio, el láudano acabaría encontrando otras aplicaciones que distaban mucho de ser medicinales. Y es que, pronto se descubrieron sus propiedades narcóticas, las cuales hacían que la persona que lo ingería en dosis superiores a las recomendadas viviera “una especie de sueño contemplativo”. Una experiencia ésta que, a juzgar por la atmósfera onírica de Beata Beatrix, Rossetti debió conocer de primera mano.

Tras la muerte de su esposa, y torturado por el recuerdo de ésta, Dante Gabriel Rossetti, “el más simbolista de los prerrafaelistas”, no sólo perdería su famoso atractivo. También, caería en el alcoholismo y la drogadicción, hundiéndose en una grave depresión que, en 1872, le llevaría a intentar suicidarse. Aunque no sin antes haber ordenado la macabra exhumación del cuerpo de Elizabeth. Una exhumación que, según cuenta la leyenda, estuvo rodeada de hechos extraños . . . Pero esa es otra historia y como tal, será contada en otro momento.

Rossetti pinta a Elisabeth como un símbolo del Arte, entre la vida y la muerte, creando una imagen de pura pasión que se convierte en testamento vivo de su esposa.

En esta versión Rossetti añadió una predela inferior en la que aparecen Dante y Beatriz. Él mismo realizó también el diseño del marco El mensaje directo de la amapola que esta paloma parece dejar caer sobre las manos de Elisabeth es, sin duda, el de la muerte (traída por el opio), pero la imagen es también símbolo de la castidad y de la propia paz alcanzada por Elisabeth tras su muerte.

En esta versión Rossetti añadió una predela inferior en la que aparecen Dante y Beatriz. Él mismo realizó también el diseño del marco
El mensaje directo de la amapola que esta paloma parece dejar caer sobre las manos de Elisabeth es, sin duda, el de la muerte (traída por el opio), pero la imagen es también símbolo de la castidad y de la propia paz alcanzada por Elisabeth tras su muerte.