Museo Automovilístico de Málaga

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El Museo Automovilístico de Málaga es un museo dedicado a la automoción ubicado en el antiguo edificio de la Real Fábrica de Tabacos de la ciudad de Málaga.

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El conjunto expuesto forma parte del catálogo del coleccionista portugués don João Manuel Magalhaes.

Los más de noventa vehículos en exposición pertenecen a diferentes etapas desde el año 1898, constituyendo una representativa variedad de modelos de las grandes marcas: Hispano Suiza, Bugatti, Delage, Packard, Auburn, Rolls Royce, Bentley, Jaguar, Mercedes, Ferrari, Lancia, etc. así como de motores. Además, el museo alberga una sección de moda con sombreros vintage, sombrereras y maletas de época.

Dentro de sus siete mil metros cuadrados, el museo queda dividido en diez espacios diferenciados: “Energías Alternativas”, “Belle Époque” -hasta 1914-, “Años 20”, “Art Déco”, “La Dolce Vita”, “Excentricidad”, “Coches de Ensueño”, “Coches Populares”, “Tradición Inglesa” y “Tuning”.

BELLE EPOQUE

Período que comprende desde finales del siglo XIX  hasta el comienzo de la I Guerra Mundial en 1914. En sus primeros tiempos el automóvil fue la continuación de los coches tirados por  caballos, con los que competían con dificultad ya que muy pocas personas creían en la evolución de este medio de transporte.
Sin embargo, esos rudimentarios pioneros de la carretera progresaron rápidamente.
En esta sala se pueden encontrar los siguientes vehículos: Winner (USA), Minervette (Bélgica-1904), Dion Bouton (Francia-1903), Richmond (USA-1908), Delage (Francia-1910), Renault AX (Francia-1911), Charron (Francia-1910), Buick (USA-1916), Jackson (USA-1906), Hupmobile (USA-1912), American LaFrance Simplex (1918) y un Barron Acroyd (Inglaterra-1912).

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DORADOS AÑOS 20

Período iniciado en 1920, es conocido también como “los locos años 20” debido a la euforia originada por el final de la I Guerra Mundial y la excepcional prosperidad económica. Esta década aportó cambios de comportamiento como la liberalización de la moda y la creciente emancipación de la mujer, que empieza a adaptar el automóvil como expresión de elegancia y seducción. El 25 de Octubre de 1929, el llamado viernes negro, marcó el  final de esta época.
En esta sala se pueden encontrar un total de ocho vehículos: Lancia (Itali-1921), Minerva (Bélgica-1923), Paige (USA-1927), Hispano Suiza (España-1917), Nash (USA-1930), Studebaker (USA-1931), Unic (Francia-1920) y Ballot (Francia-1928).

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ART DECÓ

La edad de oro del automóvil.  Esta década coincide y se identifica con la expresión artística conocida como Art Decó, término que se aplicó con motivo de la celebración en París de la Exposición Internacional de Artes Decorativas e Industriales Modernas.
Este nuevo estilo de diseño altamente reformista, creativo e innovador, alcanza su máxima expresión servido por los mejores artistas que llenan los vehículos de estética, lujo y elegancia creando auténticas obras maestras. Es un nivel de calidad nunca alcanzado con anterioridad.
Esta sala está formada por los modelos: Mercedes 540k (Alemania-1937), Bugatti (Francia-1936), Rolls-Royce Phantom III (Inglaterra-1936), Packard (USA-1939), Minerva (Bélgica-1916), Delage (Francia-1938), Pierce Arrow (USA-1930), Lancia (Italia-1934), Talbot (1937), BMW (Alemania-1938).

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DOLCE VITA y OTROS DISEÑOS

En esta década los potentes coches deportivos con sus bellas líneas aerodinámicas se ponen de moda. Ilustran la prosperidad económica de la postguerra y la mejoría  espectacular del nivel de vida. Se transforman en los “juguetes” de los exitosos actores y actrices de cine,  los famosos playboys y la juventud dorada. El director de cine Federico Fellini, tras el estreno de su película dijo: “La Dolce Vita sólo significa que a pesar de todo la vida tiene su dulzura profunda de la que no se puede renegar”.

Entre otros modelos, pueden ser visitados en esta sala: Lancia Astura (Italia-1938), Tatra (Checoslovaquia-1947) Renault (Francia-1930), De Sotto (USA-1934), Peugeot (Francia-1937), Cord (USA-1937), Auburn (USA-1936 ), Allard (Inglaterra-1949), Panhard und Levassor (Francia-1938), Kaiser Darrin (USA-1954), FN Fabrique Nationale (Bélgica-1930), Citroen (Francia-1963) y Cord (USA-1936). Maserati (Italia-1950), Porsche (Alemania-1955), Jaguar (Inglaterra-1952), Alfa Romeo (Italia-1946), Ferrari (Italia-1956), Mercedes SL300 (Alemania-1956), Aston Martin (Inglaterra-1959), Delahye (Francia-1952), Aston Martin (Inglaterra-1952), Jaguar (Inglaterra-1954) y Jaguar E-Type (Inglaterra-1962).

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Harry Wilson Watrous (Un referente de la moda del siglo XX)

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Harry Wilson Watrous (American, 1857-1940). Sólo un par de chicas, 1915. Óleo sobre lienzo, (107 x 132,1 cm). Museo de Brooklyn.

Watrous nació en San Francisco en 1857 y pasó su infancia en Nueva York, donde recibió sus primeras lecciones de dibujo. Después de permanecer en California en 1881, viajó a través de Marruecos y el sur de España, donde permaneció por un tiempo en Málaga. Luego se trasladó a París y estudió en la Académie Julian. Sus primeros trabajos fueron fuertemente influenciados por Jean-Louis-Ernest Meissonier. Allí conoció el incipiente mundo de la moda que luchaba por abandonar la condición de artesanía para pasar a incluirse a la categoría de arte, lucha que aún hoy posee reticencias.

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Harry W. Watrous (1857-1940), El paso del verano, 1912. Óleo sobre lienzo, 91,9 x 76,2 cm. Museo Metropolitano de Nueva York. Cuando el Museo Metropolitano adquirió esta pintura, el artista explicó que en el otoño de 1911 se encontró con esta mujer mujer sentada sola en una mesa de un restaurante francés. Watrous le preguntó: “Esperando al príncipe azul?” Su respuesta fue parca y melancólica: “No, ya pasó del verano.” Esta obra alude así a la fugacidad de la juventud y la belleza y la pérdida de oportunidades.

La pintura de Watrous pasó por distintos periodos, condicionado por su pérdida de vista (Como otros grandes pintores) murió en la ceguera; pintando desde un estilo académico sofisticado, hasta llegar a grandes bocetos con atisbos y señales inequívocas de un modernismo importado de Europa. El simplicismo de sus retratos (Bocetos que podrían ser perfectos patrones de la moda del París de la Primera Posguerra) lo llevan a un sintetismo modernista y simplificador, especialmente en su modelo de mujer, que triunfó de manera inesperada especialmente entre los/las “gurus” del mundo de la moda que se encontraron con un modelo femenino perfectamente adaptable a los nuevos tiempos de la modernidad surgida, como hemos dicho, tras la primera posguerra. En las claves de su Modernismo, encontramos en sus obras  de género una gran atención a los trajes y los interiores, a la línea, al contorno acompañados de un cierto simbolismo, aves, cajas de música, insectos.

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Harry Wilson Watrous (1857-1940), Sofisticación, 1908. Óleo sobre lienzo, 28 1/4 x 24 ¼ (Pulgadas). Sala de Haggin. El sombrero de plumas complementa su fina silueta, al igual que la silla elegante, mientras que las pinturas casi primitivas en la pared detrás de ella actúan como una lámina ingeniosa. Esta mujer fatal fresca es la forma de realización de la ociosidad de la clase alta que se describe de manera tan elocuente en las novelas de Edith Wharton. Ella se sienta tranquilamente fumando un cigarrillo y esperando a quien sabe nadie. El título que Watrous dio a esta pintura para su exhibición en la Academia de Diseño de la Nación en 1908 – Una taza de té, un cigarrillo, y Ella – parece implicar la presencia de un admirador masculino invisible. Esto es, por supuesto, una paráfrasis inteligente y moderna de las famosas líneas del Rubaiyat de Omar Khayyam, “un jarro de vino, una barra de pan -. Y tú” Esta pintura está tan implicada de Modernismo como Watrous se atrevió a ser. Las serpenteantes líneas modernistas de la figura, el sombrero, y una silla son recordatorios inevitables de los diseños de carteles de su antiguo compañero de clase, Toulouse-Lautrec, especialmente su Divan Japonais de 1892. Mientras Watrous acepta algunos de los principios de diseño de inspiración japonesa, que los llevó y adaptó a sus propias técnicas más académicas. Su método de trabajo también ayuda a explicar el sorprendente resultado. En lugar de comenzar con un dibujo de la vida de un modelo, que sería un simple dibujo de la figura, evidentemente, para trabajar fuera de la composición. Él tendría que plantear su modelo de acuerdo a su dibujo.

En 1904 ganó una medalla de oro en la Feria Mundial de San Luis. De 1905 a 1918, y se  especializa y ubica en el estilo Modernista definitivamente; retratos casi simplistas que se harían famosos en la incipiente industria de la moda parisina. Entre 1918 y 1923 cambió su enfoque e hizo algunos paisajes, con gran atención a los contrastes de luz y la composición. Después de 1923, se concentra principalmente en la pintura de bodegones con objetos decorativos, a menudo de la antigüedad y de su extraordinaria colección privada de objetos que recogió a lo largo de sus viajes. En toda su temática, cabe destacar, sin embargo, que siempre se mantuvo fiel a su estilo preciso, pulido, academicista, con un fuerte énfasis en la simplicidad, en lo clásico.

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Harry Wilson Watrous (1857–1940), Confidencias, 1900. Óleo sobre lienzo.

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Harry Wilson Watrous (1857–1940), El jarrón roto, 1900. Óleo sobre lienzo.

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Harry Wilson Watrous (1857–1940), The Dregs. 1900. Óleo sobre lienzo.

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Sin referencias.

Después de su muerte (Nueva York 1940) Watrous fue ignorado por la crítica, pero al final del siglo XX, el interés en su trabajo (mundo de la moda) toma de nuevo un interés inusitado, un nuevo renacer de su oba. Aunque su pintura pasó entre la crítica -como acabamos de decir- carente de valor intrínseco, a finales del siglo XX volvió a valorarse pues algunos de sus lienzos sirvieron de presentación de desfiles de modelos de una casa de alta costura de Paris, lo que de inmediato suscitó el interés por las obras, que, dada la baja producción y escasez de su obra, se revalorizaron inmediatamente. Su obra se puede ver entre otros en el Museo de Brooklyn, el Museo de la Academia Nacional de Diseño y el Museo Metropolitano de Arte en Nueva York.

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Portada de American Vogue 2009, inspirada en un boceto de Watrous.

Retro Atelier

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Retro Atelier es un colectivo con sede en Ucrania, que crea una bellísima fotografía conceptual inspirada en los días pasados. Su colección cuenta con una amplia gama de series de imágenes de inspiración Art Nouveau de estilos únicos que recuerdan los inicios Art Deco, pin-up y el glamour de la fotografía;  “…los estilos de antaño, fotografías de época, la pintura, la cinematografía y nuestro amor por este tipo de arte hicieron el trabajo, nos mudamos de los sueños a las acciones…”
Retro Atelier ha capturado el sueño perfectamente. Crear fotografías de época que no crucen la línea hacia el kitsch no es una tarea fácil. Pero en Retro Atelier, cada fotografía es precisa para el período y el género que intenta recrear. Desde el estilo intrincado, la iluminación y poses para la elección de las modelos, perfectos para cada período de tiempo, estas fotografías podrían ser fácilmente confundidas con auténticas de la época que recrean. La creatividad de este colectivo, RetroAtelier, se inspira en la estética del pasado. Los estilos de los días pasados, fotografías de época, la pintura, la cinematografía…

Les dejo con una muestra de su trabajo.

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